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The War On Drugs - Wagonwheel Blues

Este disco apareció aproximadamente en Junio de 2008 bajo el siempre asertivo sello Secretly Canadian. The War On Drugs no es la campaña impulsada por Nixon contra las drogas en 1971, sino que es el quinteto de Filadelfia liderado por Adam Granduciel en voz y guitarra. El resto del grupo lo componen Kurt Vile, Dave Hartley, Kyle Lloyd y Charlie Hall. "Wagonwhell Blues" es el primer disco de la banda, antes habían editado un EP llamado "Barrel of Batteries" (Secretly Canadian, 2008), del cual muchas canciones están presentes en Wagonwhell Blues.

¿Qué encontramos aquí? En algunas partes se lee que Wagonwhell Blues es "un debut que mete en la boca de The Jesus and Mary Chain las anfetaminas que Bob Dylan se tomaba en 1966", además de algunas comparaciones con Sonic Youth o Neil Young, entre otros. Y en realidad todo cabe en este disco, desde el inicio con la genial "Arms like boulders", la música de The War On Drugs atrapa inmediatamente. La influencia de Dylan en la voz de Granduciel es evidente (Show me the coast), aunque también está el peso de The Velvet Underground y todo el rollo psicodélico de bandas como The Fugs o 13th Floor Elevator, por nombrar algunos. Pero, además de Dylan, la voz de Granduciel parece beber de un símil más contemporáneo como lo es de Animal Collective, escuchando "Taking the farm", "Needle in your eye" o "There is no urgency", se percibe constantemente el fantasma del cuarteto de Baltimore.

Sin embargo, y aquí está la gracia de The War On Drugs, las canciones tienen un sello propio. Los sonidos no apuntan a crear esos viajes largos e indómitos de Animal Collective, tampoco recrear con nostalgia un pasado anfetamínico o dylanesco, sino que, en base estas influencias, generar canciones con buenas melodías, espaciales y directas. La complejidad y la búsqueda por sonar únicos parece no ser el norte del quinteto de Filadelfia, mientras que la honestidad y unas buenas canciones sí parece serlo. Y también uno de los mejores discos del año. --Un Color

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Anthony Reynolds (with Vashti Bunyan & Charlotte Greig) - Bees Dream Of Flowers And Your Summer's Meadow Breath


An excellent three tracks to accompany last December's British Ballads album by ex-Jack main player Anthony Reynolds. Vashti Bunyan's contribution to this three-track EP is the obvious choice as a standout, the choral and string arrangement's continue→
mirroring the ethereal, dreamlike quality of her vocal performance while haunting electronic tones lift the piece beyond the spectrum of traditional folk fare. New song 'Like The Sun Feeds From The Flowers' is a collaboration with Charlotte Greig, all sounding splendidly like a Nashville duet on this recording (but with Brit accents, obviously). Finally, the simple violin and electric guitar arrangement of 'It Isn't So' delivers an especially raw piece of gothic folk, perhaps reminiscent of I See A Darkness-era Bonnie 'Prince Billy or Nick Cave. Very good indeed.


Tres excelentes pistas para acompañar el último álbum -British Ballads- del fundador y ex Jack, Anthony Reynolds. La contribución de Vashti Bunyan a este EP es obviamente lo mas destacado, los arreglos coral y de cuerdas reflejan la etérea y surreal calidad de su interpretación vocal, mientras que los inquietantes tonos electrónicos levantan la pieza más allá del espectro del folk tradicional. La nueva canción 'Like The Sun Feeds From The Flowers' es una colaboración con Charlotte Greig, todo suena espléndidamente, como una especie de dúo de Nashville con acento británico. Por último, el sencillo arreglo de violín y guitarra eléctrica en 'It Isn't So', ofrece una pieza especialmente cruda de gothic folk, tal vez una reminiscencia de la época I See A Darkness de Bonnie Prince Billy, o Nick Cave. Muy bueno. --Boomkat

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Micah Blue Smaldone – The Red River


"Micah Blue Smaldone...taps into a vein of something real and present; a preternatural sensibility deep inside many post-millennial lost souls. continue→
This music is haunting, the notes and lyrics tugging the listener's soul as if you'd fallen into a sonic bramble patch" --Left Hip magazine

The Red River is the third album from Portland, Maine's Micah Blue Smaldone and the first on Chicago label Immune. His first album, 2003's Some Sweet Day, was a collection of Ragtime & Country-Blues, a fervently authentic homage to great influences - John Jackson, Blind Blake, Robert Wilkins; while 2005's Hither and Thither was much more internal, an urgent telling of germination in a harsh climate. The Red River reaches a little further both into the past and the future and was mostly written upon returning from an 11 week European tour in the winter of 2007. The album confronts the malevolence we've come to accept in our nature perhaps more out of cynicism than of true understanding. It tells hard tales gently, and in the end offers faith in our capacity for goodness. The album features accompaniment by many fine Portland musicians, including the members of Fire on Fire (Young God Records), a group Micah also plays with. Micah has recently appeared on the new Jack Rose album and also plays in the Death Vessel band.


"Micah Blue Smaldone... nutre sus venas de algo real y presente, de una sensibilidad sobrenatural en lo profundo de las almas perdidas post-mileniales. Con música inquietante, las notas y letras tiran del alma del oyente como si hubiera caído en un zarzal sónico" --Left Hip magazine

The Red River es el tercer álbum de Micah Blue Smaldone y el primero en el sello Immune. Su primer álbum (2003) Some Sweet Day, era una colección de Ragtimes & Country Blues, un auténtico y fervoroso homenaje a sus grandes influencias - John Jackson, Blind Blake, Robert Wilkins., mientras que en (2005) Hither and Thither era mucho más interior, una narración urgente de la germinidad en duros climas. The Red River alcanza un poco más tanto el pasado como el futuro, y fué en su mayoría escrito al regresar de una gira de 11 semanas por Europa en el invierno de 2007. El álbum se enfrenta a la maldad que hemos llegado a aceptar en nuestra naturaleza tal vez más desde el cinismo que por verdadera comprensión. Contando historias gentilmente, y ofreciendo al final, fé en nuestra capacidad para la bondad. El álbum cuenta con el acompañamiento de muchos buenos músicos de Portland, incluidos los miembros de Fire on Fire (Young God Records). Micah ha aparecido recientemente en el nuevo álbum de Jack Rose y además de tocar para la banda Death Vessel.

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Luke Jackson - ...And Then Some


In the Spring of 2006, a seven-year email correspondence culminated in the meeting of Luke Jackson and Magnus Börjeson. Jackson had long been a devoted fan of two of the Swedish musician’s former bands: Beagle and Favorita, continue→
and the two songwriters finally met in Paris where Börjeson was mid-tour playing in The Cardigans. By the end of the weekend, Jackson had accepted an invitation to record in Sweden, which he took up in January 2008. He set to work in the studio with Magnus on bass and Christoffer’s Brainpool bandmate Jens Jansson on drums. Upon his return to London, he sent the rough mixes of the songs to renowned London-based string arranger Robert Kirby (who has orchestrated works by Nick Drake, Elvis Costello, and Elton John). Kirby loved the songs and offered to write orchestrations for the album and accompany Jackson to Sweden to conduct the necessary recording sessions with nine players from Malmö’s Opera Orchestra. It is the collision of these two worlds which makes his album, And Then Some, so compelling. Densely layered guitars and vocal harmonies fuse with sweeping string lines, none of which ever draw the ear too far from what lies at the heart of Jackson’s music. --Casper Johansson


En la primavera de 2006, una correspondencia por correo electrónico de siete años culminó en la reunión de Luke Jackson y Magnus Börjeson. Jackson había sido durante mucho tiempo un fan devoto de dos de las bandas del músico sueco: Beagle y Favorita, y los dos compositores se reunieron finalmente en París, donde Börjeson estaba tocando con The Cardigans. Al final del fin de semana, Jackson había aceptado una invitación para grabar en Suecia, que asumió en enero de 2008. Se puso a trabajar en el estudio con Magnus en bajo, y Christoffer Lundquist & Jens Jansson de Brainpool. A su regreso a Londres, envió las mezclas en bruto de las canciones al renombrado arreglista Robert Kirby (que ha dirigido obras de Nick Drake, Elvis Costello y Elton John). Kirby amaba las canciones y se ofreció a escribir orquestaciones para el álbum y acompañar a Jackson a Suecia para llevar a cabo las sesiones de grabación necesarias con nueve miembros de la Malmö’s Opera Orchestra. Se trata de la colisión de estos dos mundos lo que hace que su álbum, And Then Some, sea tan convincente. Densas capas de guitarras y armonías vocales se funden con la majestuosidad de las cuerdas, ninguna de las cuales toma la atención muy lejos del corazón de la música de Jackson. --Casper Johansson

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Chad VanGaalen - Soft Airplane


From Stevie Wonder and Todd Rundgren to Bon Iver's Justin Vernon, self-sufficiency in recording—being your own one-man band—has served as more than just a badge of honor. It's also a disarmingly simple way to maintain consistency over the course of multiple albums, if not a career. On Soft Airplane, bedroom/basement-recording aficionado Chad VanGaalen still plays nearly every instrument in the mix, as he did on previous LPs Infiniheart and Skelliconnection, but something's changed...continue reading→
Where earlier albums could seem scattershot, with tracks independently culled from hundreds of stockpiled songs, Soft Airplane is concise and fully-realized.

Here, the meandering, blippy stoner jams skillfully bleed into poignant sentiments—all in the same song. The amalgamation works, especially on one of the album's highlights, "Cries of the Dead," which balances a "neighbor beating his dog in the basement" with the memorable tableau:
"You went to the mountains true and painted what you saw / You came back late and hid the painting underneath our couch / And I wasn't there when you made it / But I feel like I'm there when I'm lookin' at it."



It still moves, though, with a lyrical tendency toward the morbid and macabre and VanGaalen's warbly, wavering voice that hovers somewhere near fellow Canadian Geddy Lee's skyscrapingly-high register. In the drowsy, banjo-propelled "Willow Tree," VanGaalen politely requests a Viking-style shrug-off of his mortal coil:
"You can take my body / put it in a boat / light it on fire / send it out to sea."



And speaking of VanGaalen's countrymen, the surprisingly sweet "Inside the Molecules" finds Mr. VanG nestling a physics-nerd love poem inside some crunchy, nourishing riffs that could make Neil Young crack a smile, even at his most cantankerous. Much like the basement, Soft Airplane is a little scary (and dark and dank), yet filled with untold creative surprises and delights. Sara Miller


Desde Stevie Wonder y Todd Rundgren hasta Justin Vernon (Bon Iver), una autosuficiencia en la grabación -ser tu propio hombre-orquesta- ha servido como algo más que una insignia de honor. Es también una encantadoramente sencilla forma de mantener la consistencia a lo largo de varios álbumes, incluso de una carrera. En Soft Airplane, este aficionado a las grabaciones caseras, sigue tocando casi todos los instrumentos, como lo hizo en Infiniheart y Skelliconnection, pero algo ha cambiado. En discos anteriores podía parecer disperso, con pistas aleatoriamente seleccionadas de cientos de canciones almacenadas, pero Soft Airplane es conciso y efectivo.

Aquí, los serpenteantes Blippy stoner jams, hábilmente fluyen en sus punzantes sentimientos dentro de la misma canción. La amalgama funciona, especialmente en uno de los puntos altos del álbum:

Cries of Dead

"Fuiste a las montañas, es cierto
y pintaste lo que viste
Volviste tarde y escondiste la pintura bajo nuestra cama
​​y yo no estaba cuando lo hiciste
Pero siento como si estuviera allí cuando la veo. "


La constante tendencia hacia la lírica macabra y mórbida, y la turbulencia vacilante de la voz de Vangaalen, se ronda algún lugar entre los registros más altos de compañeros canadienses como Geddy Lee (VOZ). Trás de un somnoliento banjo VanGaalen cortésmente solicita un funeral vikingo en Willow Tree :
"puedes tomar mi cuerpo / ponerlo en un barco /
prenderlo fuego y enviarlo al mar"


Y hablando de compatriotas de Vangaalen, la sorprendentemente dulce "Inside the Molecules" encuentra a Mr. VanG empollando un poema de amor physics-nerd dentro de un crujiente riff que podría hacer que Neil Young esbozara una sonrisa, incluso en su más malhumorado día. Al igual que el sótano, Soft Airplane es un poco atemorizante (además de oscuro y húmedo), y sin embargo lleno de innumerables sorpresas y creativos placeres. Sara Miller

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Micah Buzan - Heal The Weak


¿Alguna vez te encuentras con bloqueos creativos? De ser así, ¿cómo vuelves a la pista?

La mejor manera de salir de un bloqueo creativo es seguir creando sin ningún tipo de intenciones. Si te encuentras atascado, incapaz de producir nada, llena tú mente de ideas con libros, películas, naturaleza, reuniones sociales, o cosas que normalmente no te expongan a (nada destructivo). Más información en el cerebro te permite más ideas para nadar y menos posibilidades de ahogarte. A veces sólo es necesario hacer caso omiso de los salvavidas y hacer algo loco!



La respuesta es sencilla para este inquieto chico de Kansas, canciones que atraviesan sin límites del folk más puritano a la inocencia electro-laboriosa del bedroom, y hacerse tiempo para grandes pasajes animados de elaboración propia.

Más preguntas para Micah en su Formspring, y sus discos en
su Bandcamp.

Read the Original Here
Do you ever find yourself with a creative block? If so, how do you get back on track?

Great question. Here's my opinion:

The best way to get out of a creative block is to keep creating without any intentions. If you find yourself stuck, unable to produce anything, fill your mind with ideas via books, movies, nature, social gatherings, or things you normally wouldn't expose yourself to (nothing destructive). More information in the brain-pool of ideas allows for more ideas to swim around with and less room to drift aimlessly. Less chance of drowning if you have a bunch of ideas to look after you. And sometimes you just need to ignore the lifeguard and do something crazy!

While it's healthy to take breaks now and then, waiting for a creative block to pass on it's own can potentially waste a lot of time. Also, waiting around can become a nasty habit, eating time that could otherwise be used to create! Ultimately, you have to listen to what your body is telling you. Finding a healthy balance of rest time and work time is the trick to avoiding creative blocks.


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Sleepercar - West Texas



West Texas es el álbum debut de Jim Ward en su proyecto Sleepercar. Y aunque sólo he pasado por el oeste de Texas un par de veces, este álbum suena como recuerdo del paisaje. Representa el esfuerzo de Ward para equilibrar más allá de su pasado hard-rockin' con canciones más tranquilas e íntimas. Aunque hay vestigios del pasado, en especial la cepa de su voz, es sobre todo en un estilo de rare-alt-country que (al menos para mí) fue un poco inesperado. No está mal en absoluto, pero inesperado. Ward y compañia sacan sonido gastado y polvoriento que baja suavemente con una buena cerveza y buenos amigos. Can You See The Sunset
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Stephen Malkmus and The Jicks - Real Emotional Trash

Real Emotional Trash es el cuarto álbum solista de Malkmus, el segundo que graba con The Jicks (el anterior fue Pig Lib), a esta altura algo más que una simple banda de acompañamiento. Al bajo de Joanna Bolme y las guitarras y teclados de Mike Clark ahora se le suma la enérgica Janet Weiss (Sleater-Kinney, Quasi) en batería. Con ellos al lado Malkmus se suelta, canta como nunca y se transforma en guitar hero.

El título homónimo del álbum retoma de nuevo la base psicoprogresiva de parte del álbum en una pieza de casi diez minutos con lugar a la psicodelia, el jazz y el pop con huellas post-punk de Television. No faltan tampoco ecos de los Beatles lisérgicos y de la Velvet Underground.
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Free Kitten: Inherit


Despues de 10 años, Free Kitten –un proyecto paralelo que reune gente como, Kim Gordon (Sonic Youth), Julie Cafritz (Pussy Galore) y Yoshimi P-We (Boredoms)- sacan nueva placa llamada, "Inherit". Un disco que si bien podría servir de refrito de reunión-pasada-a-aburrimiento, en ningún caso lo es, al contrario, Free Kitten juegan por si solos, conquistando un sonido que solo ellos sabrían establecer.

Inherit es un disco claro, potente y sin treguas. Lanzado bajo el sello de Thurston Moore, Ecstatic Peace, este álbum se mueve por melodías que van en clave indie rock y que genera cierta simpatía al escucharlo, pero esto no significa que sea un disco fácil ni mucho menos, ya que va mas alla de la misma experimentación que hace años la banda instauro. "Help Me", "Free Kitten On The Mountain" y el single "Seasick", son canciones juguetonas y que con las voces de Kim y Julie, te envuelven en esa seducción pagana que solo ellas saben crear.

Free Kitten perfectamente podrían encajar en esos proyectos que no presentan absolutamente nada nuevo, sino ecos de sus bandas paralelas, pero la gran facultad que tiene esta banda, es el ideal pop de la propia experimentación y ya con eso llegan a ser mas allá que solo una banda afín. Sordera Crónica
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Eugene McGuinness - Eugene McGuinness

Eugene McGuinness nace en 1985 en Londres. De padres irlandeses, creció en Liverpool, con el fantasma de The Beatles rondando en cada esquina. Siendo apenas un adolescente comenzó a escribir música, y a los 20 ya tenía un contrato para grabar su primer álbum.

The Early Learnings of Eugene McGuinness, lanzado en 2007, fue una pieza corta pero definitiva en su carrera. De repente, de la nada y sin un reality de por medio, Eugene McGuinness alcanzaba la fama. Y todo ello se debía a su peculiar forma de hacer música. Una forma que recordaba a Damon Albarn, el líder de Blur, Gorillaz y The Good, The Bad & The Queen. Pero Eugene había sido capaz de trascender el rock alternativo de los 90 para crear una atmósfera oscura pero cargada del típico sentido del humor inglés.

Después de la notoriedad que alcanza su ópera prima, Eugene McGuinness se ve enfrentado al riesgo de producir su segundo álbum. Esta vez nuestro invitado quiere hacer las cosas acompañado, no sólo para repartir la responsabilidad sino también para hacer de la grabación un proceso más interactivo. Eugene quiere sentirse parte de una banda, lograr las canciones en vivo sin tener que tocar él cada instrumento por separado y capturar la naturalidad que viene con todo ello. Y eso es lo que logra en este álbum editado en 2009, sin sacrificar en un ápice su forma de componer.

Eugene McGuinness no siente ninguna deuda con el vasto pasado musical británico. Y tal vez por ello suena tan libre en este, su segundo larga duración. No es que Eugene esté creando un nuevo género musical o dándoselas de vanguardista. Es la forma en la que integra todo, en su gusto por la nostalgia pero también por lo contemporáneo, en su parecido con Kinks y Blur, pero también con Franz Ferdinand y Bright Eyes, que este inglés logra destacarse entre la multitud de músicos que, al final, hacen tanto esfuerzo por diferenciarse que terminan sonando a lo mismo.

Sin duda este es un artista que está en capacidad de hacer de su carrera musical una auténtica aventura. Tiene el tiempo, la inteligencia y una peculiar forma de crear novedad. Cámara F.M.
Amantes de la parte más pop y dulce de la Velvet, el muy recomendable songwriter EUGENE MCGUINNESS


buff...

Sonic Youth - Hits Are for Squares

(Best Of según otros artistas)

1. "Bull in the Heather" (selected by Catherine Keener) (from Experimental Jet Set, Trash and No Star)
2. "100%" (selected by Mike D) (from Dirty)
3. "Sugar Kane" (selected by Beck) (from Dirty)
4. "Kool Thing" (selected by Radiohead) (from Goo)
5. "Disappearer" (selected by Portia de Rossi) (from Goo)
6. "Superstar" (selected by Diablo Cody) (from If I Were A Carpenter)
7. "Stones" (selected by Allison Anders) (from Sonic Nurse)
8. "Tuff Gnarl" (selected by Dave Eggers & Mike Watt) (from Sister)
9. "Teen Age Riot" (selected by Eddie Vedder) (from Daydream Nation)
10. "Shadow of a Doubt" (selected by Michelle Williams) (from EVOL)
11. "Rain on Tin" (selected by Flea) (from Murray Street)
12. "Tom Violence" (selected by Gus Van Sant) (from EVOL)
13. "Mary-Christ" (selected by David Cross) (from Goo)
14. "World Looks Red" (selected by Chloe Sevigny) (from Confusion is Sex)
15. "Expressway To Yr Skull" (selected by The Flaming Lips) (from EVOL)
16. "Slow Revolution" (Exclusive New Sonic Youth Recording)
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The Gutter Twins - Saturnalia



Saturnalia es el anticipadísimo primer álbum de los Gutter Twins, la colaboración forjada a finales de 2003 por Mark Lanegan (Screaming Trees) y su viejo compinche Greg Dulli (Afghan Whigs, Twilight Singers). Saturnalia encuentra a este dúo que Dulli bautizó como “the Satanic Everly Brothers” adentrarse en las sombras más aún que nunca antes. Empeñados en no dormirse en los laureles de sus numerosos éxitos previos, con Saturnalia se muestran enraizados pero barrocos, artesanos pero modernistas. Producido por Dulli y Lanegan junto al no-oficial tercer miembro de la banda, Mathias Schneeberger, Saturnalia consigue atrapar al oyente en el pequeño universo cerrado de cada tema, evocando simultaneamente sitars indios y folk de los Apalaches y blues del Delta en una sucesión de ganchos narcóticos. La electrónica más espartana colisiona con el space blues en “Who Will Lead Us?”; “Idle Hands” funde exotismo de Oriente Medio con riffs de guitarra casi boogie, casi AC/DC. Y el efecto acumulado se demuestra épico: el sinfonismo modernista de Mogwai, Sigur Ros o Bohren und der Club of Gore aparecen como referentes, así como las emociones chaladas de Pink Floyd, la paranoia melódica de los Beach Boys, o las confesiones primarias de John Lennon. Y, sin embargo, por más referentes que busquemos, lo que queda es algo tan inconfundiblemente Dulli, tan Lanegan, que no queda la menor duda de quienes han sido sus autores. Review
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Port O'Brien - All We Could Do Was Sing


Cada verano Van trabaja en el barco de pesca de salmón de su padre, el "Shawnee", en la Isla Kodiak en Alaska. El trabajo es agotador y el clima podría ser mucho mejor, pero el contraste entre la serenidad del desierto y la rigurosidad de la mano de obra parecen causar un poco de inspiración musical. Mientras tanto, en tierra y vuelta de la esquina, Cambria también escribe música, manteniendo su posición como Jefe de Panadería en Larsen Bay. Su día puede ser aún más largo, y el trabajo aún más pesado. Después de tanto escribir partes y letras por separado, deben unirlos juntos cuando Van viene a tierra. Por primera vez este verano, Caleb también se unió a las filas de la fábrica de conservas, y su esfuerzo acumulado, mientras que en una latitud y longitud pocos de nosotros pueden ver como resultado la creación de las canciones que componen el primer álbum de estudio de la banda "Todo lo que podíamos hacer era cantar". " Porque cuando uno está trabajando todo el día en el frío, ¿qué otra cosa vas a hacer? "Stuck on a Boat" habla de la frustración relacionada con estar tan cerca pero tan lejos .. Van atascado en un barco pesquero, mientras que Cambria hornea a través de la bahía ... pero pasan las semanas sin tener la oportunidad de ir al puerto. "Fisherman's Son" habla de la idea frustrante pero sin embargo contento de su destino..

El álbum fue grabado en San Francisco en do mitades, la primera a cargo de Aaron Prellwitz en el legendario Tiny Telephone Recording Studios, donde también ha grabado Sun Kil Moon, The Mountain Goats, y Death Cab for Cutie. Jason Quever de Papercuts, registró la otra mitad de las canciones en los estudios Pan-american, con exuberantes arreglos de cuerdas, guitarra eléctrica , banjo, percusión, tal vez ollas & sartenes, en una sección de ritmos cohesivamente apretados.
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The Mars Volta: The Bedlam In Goliath Bonus & B-Sides



01 Pulled to Bits (Siouxie and The Banshees Cover) 03:29
02 Things Behind The Sun (Nick Drake Cover) 04:09
03 Back Up Against the Wall (Circle Jerks Cover) 01:35
04 Memories (The Soft Machine Cover) 03:08
05 Birthday (Sugarcubes Cover) 04:20
06 Candy And A Currant Bun (Pink Floyd Cover) 02:24

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Little Joy - Little Joy


Para mí, la imagen del verano ideal siempre ha estado ligada a la que presentaban las series de televisión estadounidense (¿se acuerdan de The Wonderful Years?). Obviamente yo nunca me fui de vacaciones a la casa del lago o viví un verano asombroso al lado del chico ideal, ese que cuando llegaba el tiempo de regresar a casa nunca volvían a ver pero siempre recordaban en capítulos subsecuentes. Pero si esta imagen del verano ideal, la de la televisión, existiera, Little Joy sería el disco perfecto para sonorizarla.

Con arreglos simples, inspiración sesentera, folk, un poquito de reggae, bossa nova y sobre todo una sencillez encantadora, Fabrizio Moretti ha logrado junto a Rodrigo Amarante y Binki Shapiro crear un asombroso disco debut en el que se nota principalmente la intención de tocar simplemente por el placer de hacerlo, sin reglas o bandas famosas que te obliguen a engrasar la maquinaria.

El espíritu del disco es despreocupado, a ratos melancólico, un sonido orgánico con la batería en un papel secundario y las guitarras y las voces al frente, explorando todas las combinaciones que éstas puedan ofrecer; enriqueciéndose con un ukelele, un melotrón, la melódica y algunos instrumentos de viento.

Las letras son pequeños pasajes que principalmente hablan de amor: el correspondido, el olvidado, de la duda en “Shoulder to Shoulder”, del miedo a enamorarse en “Don’t Watch Me Dancing”, de la despedida en “Keep Me in Mind”, tema que por cierto es lo más cercano a los Strokes que los fans podrán escuchar aquí.

El sonido a playa y veranos eternos se deja ver en tonadas como “The Next Time Around”, una canción de inspiración sesentera y sabor pop/reggae que te invita de inmediato a mover los pies y la cabeza al ritmo de la música.

También está “Brand New Start”, cuyo coro pegajoso a tres voces nos canta “Ain´t no lover like the one I got (No hay otro amante como el que tengo yo)”, retratando ese momento en la relación cuando todo es nuevo y maravilloso y las trompetas tocan en todo lo alto. O la asombrosa “No One’s Better Sake” que podría ser la postal sonora perfecta para un viaje a Hawai.

El mosaico sonoro del disco también alcanza el folk en temas como “Play The Part” o
“Unattainable”, en donde Binki toma el micrófono para cantar con una voz dulce y frágil, perfecta para retratar las dudas de las que nos está contando.

Pero no todo son aguas tranquilas, el ritmo se acelera un poco a veces como en “How to Hang a Warhol”, track que nos pide dejar la pretensión de lado y simplemente crear por crear y no sólo buscar la fama o la fortuna.

La herencia brasileña de Amarante y Moretti no podía dejar de aparecer por supuesto, ya que a ratos la placa suena un poco a bossa nova, especialmente en dos temas: “With Strangers”, una de las mejores del disco gracias a su hermosa letra que habla sobre lo que pasaría “sí tan sólo”; o “Evaporar”, el track con el que cierra la producción y el único cantado en portugués.

Este es un disco redondo, pero si tuviera que nombrar mis favoritas serían “Keep Me in Mind”, “Brand New Start”, “Evaporar” y “With Strangers”, aunque no hay desperdicio, el álbum conserva un ritmo perfecto entre las baladas y los temas más movidos por lo que nunca aburre, especialmente porque las canciones son tan cortas que apenas te da tiempo de saborear el tema cuando ya tienes al siguiente haciendo su aparición.

Little Joy es la dicha de tocar, la libertad de no tener que ceñirte a un sonido, a la fama, los pantalones apretados o la vida de rock star. No apuesta a innovar, simplemente a disfrutar y a que sea disfrutado. No está dedicado a los fans del quinteto neoyorquino, ni a los fans de Los Hermanos (banda que si no conocen, deberían checar por cierto), requiere un cierto gusto por el pop bonito y de guitarra acústica. Este álbum es un esfuerzo pequeño y en su fragilidad y tamaño está su grandeza. Es en suma, como el verano soñado y televisado: dorado, sonriente y muy corto. Después de todo, las mejores cosas de la vida duran siempre muy poco. Cuchara Sónica
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Future Islands - Wave Like Home



No estoy totalmente seguro de por qué, pero este es uno de mis discos favoritos de siempre. Tiene algunas de las canciones más pegadizas jamás escritas, buenas letras, y piezas musicales muy interesantes. La voz de su cantante, es casi hipnotizante, áspera y cruda pero de alguna manera suena muy reconfortante. Los ví abriendo para Dan Deacon hace alrededor de un año y medio atrás y quedé impresionado por su show. Este álbum tiene un flujo muy grande, así que debe ser escuchado de principio a fin una y otra vez.
Read the Original Here
I'm not totally sure why, but this is one of my favorite albums ever. It has some of the catchiest songs ever written, great lyrics, and very interesting musical parts. Their singer's voice is almost hypnotizing, scratchy and raw sounding but somehow very comforting. I saw them opening for Dan Deacon about a year and a half ago and I was blown away by their set. This album has a really great flow as well, it should be listened to beginning to end over and over again.

o en I Found This Song in The Road
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Ty Segall - Ty Segall


El debut de Ty Segall fue lanzado el año pasado (2008) por Castle Face Records, el sello dirigido por Jon Dwyer de Thee Oh Sees. Sus canciones breves y agudas repican fuera del garage sin levantar las puertas, envíando riffs de los 60's estrellándose a través de fragmentados murmullos de smart - lo-fi. Después de pasar el tiempo en San Francisco en Traditional Fools, Segall tomó su camino en solitario, tocando tempranamente por su cuenta.: solo en el escenario, pulsando una destartalada guitarra, aullando letras, y empleando un kickdrum & una pandereta.

Inicia con el puntal de una guitarra y la pandereta de "Go Home", con la voz empapada de reverberación que no oculta sino que incrementa melodías concisas de la canción de Segall. Es un enamorado de los ritmos pop de los 60's, y es en última instancia, una ejecución de prueba, un documento de un artista descubriendo que puede hacer por sí mismo.

Con este doble golpe (Ty Segall & Lemons), Segall entra en un campo lo-fi minado de artistas con similares influencias. ¿Qué lo distingue de sus compañeros? Su capacidad para inculcar sus canciones con un celo creativo palpable, como si las grabaciones finales fueron menos importantes que el proceso de realización de ellas. Todos sus nobles objetivos de la prolificidad y la espontaneidad no tendrían sentido si su energía y entusiasmo no se cortarán con un ruido fuerte y claro.
Read the Original Here
Ty Segall's self-titled debut was released last year on Castle Face Records, the label run by Jon Dwyer of Thee Oh Sees. His follow-up, Lemons, is out just a few months later on Memphis-based Goner Records, run by the Oblivians' Eric Friedl. Pretend his next one is out on Siltbreeze and it's not hard to triangulate Segall's sound. His short, sharp songs peal out of the garage without raising the doors, sending 1960s rock riffs crashing through splintered, smart-ass lo-fi buzz. After spending time in San Francisco's the Traditional Fools, Segall went way solo, playing early shows all by himself: Alone on stage, he strummed a beat-up guitar, howled his lyrics, and worked a kickdrum with a tambourine duct-taped to it. He has recently started playing with a band, but still believes that all a song really needs is whatever one person can strike, strum, sing, or shake.

This no-fuss, no-frills DIY philosophy defines both of his albums, but especially the rough-and-tumble Ty Segall. It actually sounds like the product of one man, all the instruments he could carry, and an hour's worth of studio time. It kicks off with the guitar and tambourine strut of "Go Home", with Segall's vocals drenched in harsh reverb that doesn't conceal but enhances the song's concise melodies. He's enamored with 60s pop rhythms, so you could conceivably do the Shag or the Mashed Potato to "The Drag" or "So Alone". But his is a limited, limiting set-up, and at times his run-throughs sound obligatory. He apes Jon Spencer aping Elvis Presley on "Pretty Baby (You're So Ugly)", saving the song only with a breakneck distortion chorus. Ultimately, Ty Segall sounds like a test run, a document of an artist discovering what all he can do by himself, which makes moments like the whistled outro on "Watching You", so reminiscent of Sergio Leone, all the more endearing.

Musically and chronologically, Ty Segall and Lemons make a good pair, not only because together they add up to about 50 minutes, but because the latter builds confidently on the experiments of the former. Segall coaxes a greater range of sounds from his set-up, touching on a bit of psychedelic country on "Rusted Dust", frenzied gutter-punk fury on "Johnny", and hallucinatory desert rock on the Captain Beefheart cover "Drop Out Boogie". "In Your Car" stomps with the brat-menace of Black Lips, and the instrumental "Untitled #2" builds its surf rock from the ground up, establishing a fast rhythm section of rimshots and acoustic strums before introducing the barreling lead guitar and wiping out spectacularly at the end. Buffed to a relative shine, these songs are leaner, more frenetic, and simply more imaginative.

With this one-two punch, Segall enters a lo-fi field crowded with artists mining similar influences for inspiration and making similarly compact noise. What distinguishes him from his peers, however, is his ability to instill his songs with a palpable creative zeal, as if the final recordings were less important than the process of performing them. All of his noble goals of prolificacy and spontaneity would be meaningless if his energy and excitement didn't cut through the noise loud and clear.

o en Pitchfork
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Deerhunter - Microcastle


“Microcastle” es el tercer disco de Deerhunter, un grupo de Atlanta influenciado por la psicodelia de los 60’s, la Velvet Underground, el ambient, el noise pop de Sonic Youth, los Galaxie 500 o el shoegazer británico.
Bueno, etiqueta tras etiqueta tras etiqueta, todo reciclajes (conscientes o no) de la lisergia de finales de los 60 y comienzo de los 70.

Su pop ofrece voces laxas e instrumentación que alterna arreglos de expresión etérea y/o vaporosa con cascadas de distorsión guitarrera.

La apariencia ensoñadora de su psico-ambient ya es apreciable en su corta intro con empleo de efectos espaciales. Esta pieza es el preludio de “Agoraphobia”, uno de los mejores temas del disco con su medio tiempo de goteantes arpegios jangle pop y ritmo velvetiano.
Su texto minimalista es una búsqueda de afecto con Bradford Cox pidiendo con dulce voz que le confortes.

La atmósfera suave y lisérgica de estas dos primeras piezas, y los textos y sonidos de ensueño (el soñar es bastante constante en los textos del álbum) se reiteran a lo largo de todo el disco, sea con “Never Stops”, fuga onírica en ambientes ácidos garage-pop con significado uso del bajo, o en “Nothing Ever Happened”, rítmica canción con sinuosos y repicantes riffs de guitarras, una dinámica línea de bajo, armonías vocales y fuzz.

La sutileza de su música (con la fragilidad vocal acentuando tal condición) se aprecia en “Little Kids”, pausado corte con ecos de la Velvet, reflejos de campanillas, distorsión puntual y arpegios con cierta evocación oriental.

“Activa” psicodelia experimental con voces distantes que no quedarían mal en un disco de los 60’s de tantísimos conjuntos que grabaron sus LPs en la época sin promoción alguna, “Saved By Old Times”, canción con riff blues-rock y texto con presencias vampíricas, “These Hands”, medio tiempo dream pop sobre el paso del tiempo con perspectiva desesperada en soledad, o “Twilight At Carbon Lake”, punto y final de un disco en donde confluyen con esencia vals-psicodélica una voz perezosa, unas sosegadas guitarras oceánicas y efectos espaciales de película de ciencia-ficción de serie B de los 50. Review
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Death Vessel - Nothing Is Precious Enough For Us



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Hay días en los que sólo esperas que vayan pasando las horas con el menor drama posible para poder llegar a casa y poner en el tocadiscos, incluso con cierta urgencia, algo como Portishead, Sigur Rós, Antony and the Johnsons o Frank Sinatra.
Hoy ha sido uno de esos días y suerte que al llegar a casa me esperaba el nuevo disco de Death Vessel.

Death Vessel es el navío de mariposa en el que se esconde – o quizás en el que se deja mostrar - Joel Thibodeau, la voz mágica de un cerebro sabio rodeado de músicos de una solvencia indiscutible. Si eres de los que piensa que Antony es una maricona llorona deja de leer porque no te va a gustar nada que el falseto de Farinelli il castrato de Joel te recuerde según y como a los momentos country menos estridentes de Holly Golyghtly . Y que sepas que me caes mal.
Algunos suertudos entre los que no me incluyo, pudieron disfrutar del fantástico directo al atardecer que ofreció la banda en el Primavera Sound 07. Por aquella época aún presentaba al mundo su primer disco, "Stay Close", una pequeña delicia acústica que se paseaba por territorios históricamente tan habitados y habitables como son el folk y el pop, pero siempre con un nosequé como de viejo, como de película de animación molona de los años treinta o cuarenta. Con "Stay Close" Joel nos dejaba un bonito disco, no del todo oscuro , tremendamente apetecible, en el que aún reluce "Snow Don’t Fall", un cover espléndido – el único del álbum – del desaparecido Townes Van Zandt.
Pues bien, ahora ha fichado para Sub Pop y el resultado es "Nothing Is Precious Enough for Us", un segundo disco mucho más preciosista, mucho más íntimo, mucho más eléctrico, y mucho más todo.
El tipo de música que puede hacer que dejes de sentir el vacío.
A menudo los temas pasan de lo acústico a lo eléctrico sin apabullar. Es una electricidad de lluvia suave en "Peninsula" y de tempestad adolescente en "Exploded View". "The Widening" conserva un cierto eco de rag-time y se deja ver como asoman las piernas de piel clara a través de los flecos de un vestido oscuro. Aunque quizás sólo me lo parezca por la corneta perezosa y ese chasquido de dedos tan jazzy y tan de porcelana. El álbum va oscureciendo con la luz de un día de invierno. "Block My Eye", "Jitterakadie" y "Obadiah in Oblivion" tienen aura como de “folk in the country”, de ir en bici por sitios donde el aire huele a limpio. Aún así, limitar el disco a esta lectura sería como amputarle el corazón, porque Death Vessel va mucho más allá del folk accesible de Iron & Wine y del pop melancólico y naïf de Belle and Sebastian.
Dale tiempo y el disco sabrá esperarte hasta que estés listo. Entonces te mirará tan adentro como para que puedas reconocer con claridad tus pensamientos en sus letras oníricas, y como para que necesites de su cadencia para recuperar la calma. Por supuesto, para los que permanecen después de la escucha hay un regalo de lujo: "Taken up again", un bosque instrumental escondido detrás de un silencio de treinta segundos. Como si el guardián del abismo infinito de Garden State reclamara música después del chaparró;n. Y ahora ya puedes seguir pensando que todos somos especiales y tal. Toda esa basura.
Pero sabrás que hay ángeles de angustia sin alas que son especiales porque no están hechos para vivir en este mundo y que gracias a su música no nos suicidamos catorce veces al mes. La clave, pues, está en escuchar el álbum muchas veces y repetir delante del espejo: "Sí, no encajo en ningún lado y el mundo en general es una mierda, pero me da igual porque tengo el disco nuevo de Death Vessel".

Marta Delatte

Andy Yorke – Simple


Desgraciadamente, “el hermano de Thom Yorke” (debe ser horrible tener parentesco con alguien tan conocido y con tanto talento de por medio) nunca ha alcanzado verdaderamente ni la fama, ni muchísimo menos el reconocimiento comercial que esperaba con su anterior banda, Unbelievable Truth. Así que, después de -imaginamos- aburrirse del proyecto, se ha lanzado a publicar ‘Simple’, su primer álbum como solista.

Yorke (Andy) suena bien. Prescinde bastante del falsete con el que su hermano se ha hecho famoso y la verdad es que su debut merece un poco de atención. No es la revolución de la música, pero las melodías cobran muchísima importancia, aunque no tanta como la parte vocal, en la que Andy se centra y hace parte fundamental de su trabajo en solitario.

‘Simple’ no es un disco malo, tampoco es la repanocha, pero si hay algo que es seguro es que el pobrecito ha errado su tiro con la fecha de publicación. En pleno verano y con 40 grados a la sombra, lo que menos apetece es pararse a escuchar un disco cuyo grueso es puramente melancólico y triste. Es por esto que, si en lugar del 14 de julio, este señor hubiese puesto ‘Simple’ a la venta en pleno otoño, otro gallo nos cantaría. Y es que para todo, incluso para la música, las estaciones son importantes. jenesaispop
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