El mundo de la guitarra eléctrica bien podría ser dividido entre quienes encarnan la figura de los héroes (Jimmy Page, Hendrix, Van Halen o Kirk Hammet, etc.), y aquellos que se sitúan en las antípodas como anti héroes (Lou Reed, Johnny Ramone, Robert Smith o Kurt Cobain). Sin duda alguna, la disonancia guitarrera de Sonic Youth pertenece a esta última categoría, y el 50% del bombardeo sonoro es gracias a los desplantes con que Lee Ranaldo abusa de sus Jazzmasters y Gibson Les Pauls.-- Marvin
A pesar de sentirse sumamente optimista en cuanto al futuro se refiere, Lee Ranaldo, guitarrista de la legendaria banda vanguardista neoyorkina Sonic Youth, dejó algunas frases que pueden interpretarse de manera positiva en cuanto al futuro de su banda cuando charló con la revista RS:
“Todas las bandas llegan a su final. Hemos estado juntos más tiempo del que cualquiera de nosotros jamás imaginó y mayormente ha sido un recorrido muy agradable. Todavía hay un montón de cosas que vamos a seguir haciendo. Hay toneladas y toneladas de proyectos de archivo y cosas por el estilo que aún están en marcha, así que hay muchas maneras en las que seguiremos estamos atados el uno al otro en el futuro, tanto a nivel musical como de otras maneras. Felizmente, en este momento, siento que el futuro debe sigue su curso y creo que estoy un poco agradecido de tener este otro proyecto que resultó de por sí.”
El “otro proyecto” a que se refiere Ranaldo es su primer álbum como solista, Between the Times and the Tides, en el que participaron Steve Shelley, Jim O'Rourke, Nels Cline, Alan Licht, Irwin Menkin y John Medeski.--GibsonGuitar.es
El punto más alto de la carrera de O’Rourke no es para nada su paso por Sonic Youth, sino sus propias creaciones de música moderna experimental. Es parte medular de la escena musical de Chicago y ha editado discos de rock, jazz, noise y electrónica. Como productor tiene una cartera envidiable, la cual contiene bandas como Wilco, Stereolab, Saint Etienne, Smog, The Red Krayola, Beth Orton, Joanna Newsom, The High Llamas, Mice Parade, The Sea & Cake y muchos, muchos más.
La alianza de O’Rourke con Wilco es tal vez la más fructífera pues fue el encargado de mezclar el ya clásico Yankee Hotel Foxtrot y producir A Ghost Is Born, con el que ganaron el Grammy a Mejor Disco Alternativo. Durante las sesiones de grabación del Yankee Hotel, Jeff Tweedy, vocalista de la banda y Jim formaron una banda llamada Loose Fur, con la que editaron un disco llamado Born Again in the USA.
Un compositor fino, arreglista, productor y cantautor de grandes ligas…
Pero dónde realmente esta el néctar de la música de O’Rourke es en su trilogía de discos: Bad Timing(1997), Eureka (1999) eInsignificante (2001), piezas de rock clásico, que lo refirman como un compositor fino, arreglista, productor y cantautor de grandes ligas, Jim logró encontrar aquí un sonido y un mood único, pop con arreglos épicos, sorprendentes y pegajosos, llevados de la mano de sus meticulosos guitarreos y su voz llena de melodías memorables. A su música parece no faltarle ni sobrarle nada, simplemente encaja perfecto.Antes y después de estos tres discos, O’Rourke ha editado material mucho más experimental y avant-garde, yendo del free jazz hasta la electrónica de laptop, ha trabajado de la mano de directores de cinepara hacer su música e incluso a dirigido algunas cosas, además de ser el asesor musical de la películaSchool of Rock.
Después de toda esa etapa experimental y cinematográfica el señor O’Rourke está de regreso en su mundo rock pop, el año pasado “Visitor” fue su punta de lanza y este año edita All Kinds of People Love Burt Bacharach, un disco tributo al gran pianista y compositor estadounidense, que sirve para contentar a todos los fans de su producción pop. Para este disco O’Rourke reclutó a sus amigos músicos japoneses y el resultado desprende dulzura por todos lados, una detallada y cuidada producción que es una bocanada de aire fresco para todos los amantes de la música de Jim O’Rourke. Chinix buffer....
1. "Bull in the Heather" (selected by Catherine Keener) (from Experimental Jet Set, Trash and No Star) 2. "100%" (selected by Mike D) (from Dirty) 3. "Sugar Kane" (selected by Beck) (from Dirty) 4. "Kool Thing" (selected by Radiohead) (from Goo) 5. "Disappearer" (selected by Portia de Rossi) (from Goo) 6. "Superstar" (selected by Diablo Cody) (from If I Were A Carpenter) 7. "Stones" (selected by Allison Anders) (from Sonic Nurse) 8. "Tuff Gnarl" (selected by Dave Eggers & Mike Watt) (from Sister) 9. "Teen Age Riot" (selected by Eddie Vedder) (from Daydream Nation) 10. "Shadow of a Doubt" (selected by Michelle Williams) (from EVOL) 11. "Rain on Tin" (selected by Flea) (from Murray Street) 12. "Tom Violence" (selected by Gus Van Sant) (from EVOL) 13. "Mary-Christ" (selected by David Cross) (from Goo) 14. "World Looks Red" (selected by Chloe Sevigny) (from Confusion is Sex) 15. "Expressway To Yr Skull" (selected by The Flaming Lips) (from EVOL) 16. "Slow Revolution" (Exclusive New Sonic Youth Recording) buffer...
Solo a semanas del lanzamiento, la WERS Radio de Boston alojó a Thurston, Lee & Jim, para que realizaran versiones acústicas de las tres primeras pistas de la cara A de Murray Street: "Empty Page,” “Disconnection Notice”, & “Rain on Tin” .
Después de un hiato de casi 9 años, el legendario trío de Christian Fennesz, Jim O'Rourke y Peter Rehberg ha regresado con un nuevo álbum de estudio. Técnicamente el primer álbum de estudio, las versiones anteriores eran ediciones de actuaciones en directo.
Ellos pasaron una semana en el Studio GOK Sound de Tokyo para establecer algunos impresionantes trabajos electrónicos. Mientras que antes se hacía hincapié en una caótica mezcla de muestras alteradas a través de sus sistemas de computación móviles para crear un sonido de excéntrico sentido del humor, "In Stereo" implementa una paleta más amplia de instrumentos analógicos y síntesis digital, guitarra, piano, bajo y percusión. Lo que hacen es mantener la capacidad de hacer un sonido cercano a lo psicodélico, desde donde su mezcla muestra imposible determinar quién hace qué.
Read the Original Here
After a hiatus of almost 9 years the legendary trio of Christian Fennesz, Jim O'Rourke and Peter Rehberg have returned with a new studio album. Technically the first studio album as previous releases were edits of live performances.
They spent a week in Studio GOK Sound, Tokyo to lay down some stunning electronic works. Whereas previously the emphasis was on a chaotic blend of found samples mangled through their mobile computing systems to create a humorous oddball sound, 'In Stereo' implements a more wider instrumental palette of analogue & digital synthesis, guitar, piano, bass and percussion. What they do maintain is the ability to make a near psychedelic audio blend where its impossible to determine who does what.
Sky Blue Sky fue recibido con frialdad por parte de muchas publicaciones anglosajonas sobre rock. ¿Por qué? Bueno, el motivo principal está bastante claro: después de dos trabajos de quiebre dentro de sus propios stándares, refrescantes dentro del panorama del rock americano post-2000, llenos de capas y capas de sonidos y ruidos y mucha post-producción, los Wilco se desnudaron completamente. Poca experimentación y muchas -como se suele decir- “raíces”, se perciben en un álbum que, según declaraciones del propio conjunto, fue fuertemente influido por los Beatles, los Rolling Stones y los Beach Boys.
Ponerse a enumerar dónde se percibe mejor cada influencia y demás cuestiones me parece aburrido, inútil y, en definitiva, una forma de caer en el juego posmoderno de los mismos periodistas que patean a Sky Blue Sky porque -no lo dicen con estas palabras- no es lo suficientemente rebuscado como para que se pueda debatir durante horas si tal pasaje está más influenciado por Can, por Big Star o por Pavement. Por lo pronto, tal vez uno de los aspectos más interesantes del disco es que difícilmente puedan señalarse influencias concretas (ellos lo hacen, claro, pero refiriéndose al proceso creativo y no necesariamente al producto final), sino que lo que está siempre presente es un aire a música -si me preguntan a mí, en particular americana- de fines de los 60s y comienzos de los 70s.
Pero, reitero, Sky Blue Sky no remite a nada en especial: acá hay algo que suena un poco a folk moderno, algo que suena un poco a rock sureño, algo que suena un poco a ese espectro poco definido de canción pop/rock relativamente radial de los 70s, algo que suena un poco a Grateful Dead, y no más que eso. Lo que sí, las canciones siempre suenan a Wilco, aunque más al de Being There, Summerteeth o los dos discos grabados junto a Billy Bragg, que al de Yankee Hotel Foxtrot o A Ghost Is Born.
Ya no hay en los arreglos una necesidad imperiosa de poner al frente todos los detalles ocurrentes, todos los efectos sonoros, toda la parafernalia multiinstrumental que, por momentos, terminaba tornándose un poco obvia. Por el contrario, la diversidad sonora sigue estando presente, pero de manera más sutil. En Sky Blue Sky hay una variedad importante de órganos, pianos y guitarras; la diferencia es que están camuflados para que contribuyan a construir las canciones, pero que no las opaquen. Cohabitan melodías hermosas, un sonido limpio (como el sky blue sky; para más de uno tal vez demasiado pulcro), cortes difíciles de prever -que nunca dominan, siempre se expresan como una extensión natural de la columna compositiva-, y un carácter íntimo y personal que hizo que varios definan al álbum como lo más cercano a uno solista de Jeff Tweedy que grabó la banda hasta el momento.
A mi entender, este giro -bastante radical, sí- de Wilco, no solo es honesto y favorable, sino que me parece un símbolo de madurez y coraje. No es fácil desprenderse de tanto maquillaje. Hay que confiar en que en el camino no se va a perder lo importante; hay que confiar en que lo verdaderamente valioso está en la base y no en la superficie. Y, me da la impresión, a Wilco la jugada le salió más que bien. Pequeños Discos Rojos en una Caja Negra ...buffering
Jeff Tweedy, Jim O'Rourke, Glenn y Kotche han estado trabajando en esta tradición fragmentada desde hace bastante tiempo, y desde su primer álbum Loose Fur, parecen ver en este nominal proyecto paralelo un ambiente relajado para desarrollar aún más las ideas de las que no quieren ser responsables en sus carreras en solitario. O'Rourke claramente disfruta el uso repetitivo de clichés pop hacia formas minimalistas, Tweedy degusta su paleta de ampliación experimental y Kotche mantiene su capacidad sonora confortable sin importar el escenario. El punto común de intersección entre el interés en escribir canciones intelectuales que parecían transmitir su ingenio más que cualquier otra emoción. El nombre del proyecto, lo resume muy claramente: Loose Fur podría ser tanto una descripción del material como un juego de palabras en broma sobre referencias satánicas de rock and roll .
Nacer de nuevo en los usa muestra al grupo tratando de diversificarse aún más. Por supuesto, Tweedy y O'Rourke parecen incapaces de arrojar el peso de sus respectivas personalidades, pero en la misma forma, Loose Fur muestra a estos músicos deleitándose en su propia piel.
Deliberada y referencialmente los métodos de producción de O'Rourke son una vez más el punto de enfoque. Mientras que otras cepas de música pop experimental prosperan en transgresiones percibidas, la fuerza de O'Rourke prospera en la familiaridad.
Las letras de Tweedy, que tradicionalmente han sido un poco impresionistas y obtusas en su poética, son más concretas aquí, tal vez provocadas por la influencia de O'Rourke.
Read the Original Here
Formal experimentation in pop music has frequently drawn from the avant-garde, using a slew of loaded languages ranging from bludgeoning violence to inhuman instrumental proficiency. These can serve as a statement of radicalism, or perhaps more ideally, as something more honest and individualistic than other pop music. There is a sense of intended delineation, a desire to reclaim a beacon of artistry in an extremely saturated and commercial cultural medium. Other times, the goal is subversion, to mimic the structures and baggage, while containing some essential kernel of opposition.
Jeff Tweedy, Jim O’Rourke, and Glenn Kotche have been working in this fragmented tradition for quite some time now, and since their first Loose Fur album, seem to view this nominal “side-project” as a somewhat relaxed environment to further develop the ideas that they do not want to be held responsible for in their solo careers (though this is perhaps a misnomer considering the collective contributions of Wilco). Using songs that they kicked around for years, the first Loose Fur album showed Tweedy and O’Rourke -- songwriters who had previously felt the need to reinvent themselves with each step -- idling for a little bit longer on their respective solo breakthroughs. O’Rourke was clearly enjoying the use of repetitive pop motifs as a minimalist nod, Tweedy was enjoying his broadening experimental palette, and Kotche maintained his acute ability to sound comfortable, no matter the scenario. The shared point of intersection was an interest in writing clever songs that seemed to convey their wit more than any given emotion. The name of the project summed it up pretty clearly: Loose Fur could be both a description of the material and a joke-y pun on rock’n’roll satanic references.
At the very least, Born Again in the USA shows the group attempting to branch out further. Granted, Tweedy and O’Rourke seem unable to shed the respective weight of their personalities, but in the same token, Loose Fur seems to be about these musicians reveling in their own skin, rather than trying to eschew and annihilate them as in their other projects.
O’Rourke’s deliberate and referential production methods are once again a focal point. Whereas other strains of experimental pop music thrive in perceived transgressions, O’Rourke’s strength is that he thrives in familiarity. The nod to 10cc’s “Lazy Days” in “Wreckroom” stands as one of the most apparent examples. Yet, while Sparks-isms and McCartney-isms are undoubtedly littered throughout, there is always something difficult to place. There is an ingenuity to the resonant and distorted guitar on “Thou Shalt Wilt,” or the strong combination of the bassline, piano and clattering percussion on “An Ecumencial Manner,” or the filtered and reverberating synthesizer ambience of “Wreckroom” that easily stands as the album’s highlight.
Having said that, however, the album is the most painfully smug in either Tweedy or O’Rourke’s catalog. Without the crutch of the disingenuous narrators and overarching themes of Insignificance and Halfway to a Threeway, O’Rourke’s lyrical humor isn’t grounded and seems tossed off. The sole exception is perhaps “Answers To Your Questions,” which despite its sharp remarks, feels to be about something other than a comedic premise.
Tweedy’s lyrics, which have traditionally been somewhat impressionistic and obtuse in their poetics, are more concrete here, perhaps prompted by O’Rourke’s influence. “The Ruling Class” is a notable example because it manages to play up the political ramifications of Peter Medak’s excellent social satire by invoking the Jack the Ripper/Jesus Christ character and perhaps suggesting another public figure who waffles between widespread murder and a belief in himself as the new messiah. Of course, Tweedy’s frequent ambiguity makes it so that it could just as easily be a personal confession. Songs like “Hey Chicken” and “Wanted” are less unclear, though perhaps to detriment.
While a well-concocted snotty attitude may be a decisive factor in any number of great rock albums, Born Again in the USA feels lazy without any particular agenda. It’s good for a laugh and a couple of listens, but ultimately does not resonate.
Murray Street es el décimotercer álbum de la banda estadounidense Sonic Youth publicado el año 2002. Es un disco de 7 canciones que van de lo épico ("Sympathy for the Strawberry") a lo breve e intencionalmente superficial ("Plastic Sun"). El álbum fue bien recibido por la critica y fue el primero en presentar a Jim O'Rourke como miembro oficial.
Este álbum marcó el comienzo de un sonido nuevo y más limpio para la historia de Sonic Youth, lleno de referencias a las bandas de rock clásico de los 70. En este disco el noise y la improvisación han dado paso a pautas más reconocibles, cercanas a estructuras pop al uso con sólo ciertas incursiones en sus característicos pasajes ruidosos, ahora menos incisivos. El título del álbum, "Murray Street", contiene varias referencias a la historia de la ciudad de Nueva York. "Murray Street" era originalmente, el límite al norte de Queen's Farm, una parcela de tierra que fue utilizada como el sitio de King's College (1754), y como el sitio original de Columbia College (1787). También es el lugar en donde cayó uno de los motores de uno de los aviones que impactó en las Torres Gemelas el 11 de septiembre de 2001. Es además el nombre del estudio de grabación propiedad de la banda. buffer....
El mundo de la guitarra eléctrica bien podría ser dividido entre quienes encarnan la figura de los héroes (Jimmy Page, Hendrix, Van Halen o Kirk Hammet, etc.), y aquellos que se sitúan en las antípodas como anti héroes (Lou Reed, Johnny Ramone, Robert Smith o Kurt Cobain). Sin duda alguna, la disonancia guitarrera de Sonic Youth pertenece a esta última categoría, y el 50% del bombardeo sonoro es gracias a los desplantes con que Lee Ranaldo abusa de sus Jazzmasters y Gibson Les Pauls. -- Marvin
