Smog - 'Neath The Puke Tree

When I was younger, I always displayed a penchant for botany. So much, in fact, that I had the entire plant world broken up into three botanical classifications. There were the "things that go ouch," such as stinging nettles and briar, "things that make itch," like poison oak and poison ivy, and "things that smell bad," continue→

like the cat pee-smelling ailanthus, and the vomit-smelling, fruit-bearing female ginkgo tree.

Granted, I was working within a very limited geographical scale. The world outside the Northeastern United States undoubtedly contains many, many more prickly, poisonous, and smelly plants than I've encountered. For me, a puke tree will forever be a female ginkgo, but I get the distinct feeling that God's green earth is home to many, many more plants that smell like vomit.

When I first saw Smog's new 'Neath the Puke Tree EP, I immediately assumed that the EP's title alluded to the ginkgo. But then I looked on the back of the jewel case, and noticed that the EP was recorded in Melbourne, Australia, a place that is no doubt home to more puke-scented flora than even New York City. But that's not the only level on which I'm failing to connect to this record. For the first time in a while, I'm starting to get the feeling that Bill Callahan's instincts aren't working to his advantage-- a scary and depressing thought, considering the amazingly consistent body of work he's produced in the past decade.

'Neath the Puke Tree has a decidedly more country feel to it than Callahan's past work. And no, I don't mean "alt-country," with its twanging Telecasters and torn denim jackets. There's a serious, old-school country influence at work here, especially on the EP's opener, "I Was a Stranger". Utilizing a simple but effective motif of strummed acoustic guitar, relatively straightforward drumming, and flourishes of slide guitar, the track effectively paints a dusty picture of a sun-drenched desert that would be very much at home in modern-day western music.

Breaking slightly away from this formula, the record's second track is its standout. Barren and desolate, "Your Sweet Entrance" is classic Smog, full of vague romantic longing as expressed through Bill Callahan's claustrophobic vocals. It also contains one of the most masterfully executed weirdo chord changes I've heard in ages.

Unfortunately, at about this point, Callahan seems to have forgotten the first rule of recording sparse, guitar-driven ballads: tune the fucking thing! "A Jar of Sand" could be a great track for all I know, but I just can't get past the fact that his guitar is so painfully out of tune. I'm not sure what would be worse: if the guitar were out of tune due to general laziness, or due to a shoddy attempt at adding an "experimental" feel to the track. Either way, it's not any fun, and makes what would otherwise be a perfectly listenable couple of tracks (this and the fourth track, "Orion Obscured by Stars", are both plagued by this problem) unbearable. Yet, even with these few thoroughly frustrating tracks, 'Neath the Puke Tree manages to yank itself out of the abyss in time for its closer, the swampy "Coacheecayoo".

After having this EP on repeat play for a few hours, I'm feeling three conflicting emotions. First, I'm frustrated that Bill Callahan didn't bother tuning the damn guitar (we've established that, right?). Secondly, I'm grateful that this isn't a full-length, because even though it's at times really likable, none of the tracks have the same punch as the better of Smog's album tracks. Finally, I'm hoping that my two major gripes with this EP won't carry over to the next full-length. I mean, shit, maybe it's just really hard to find a tuning fork in Melbourne.

Cuando era más joven, siempre mostré inclinación por la botánica. Tanto que de hecho, había dividido el mundo vegetal entero en tres clasificaciones botánicas. Allí estaban las "cosas que hacen ay!", como ortigas y zarzas, "las cosas que hacen picar", como la hiedra y el roble venenoso, y "las cosas que huelen mal", como la orina de gato, y el olor a vómito de las frutas del ginkgo hembra.

Por supuesto estaba trabajando dentro de una escala geográfica muy limitada. El mundo exterior, sin duda contiene muchas plantas más espinosas, venenosas, y malolientes que las que he encontrado. Para mí, un árbol vomitivo siempre será un ginkgo hembra, pero tengo la clara sensación de que la tierra verde de Dios es el hogar de muchas, muchas otras plantas con olor a vómito.

Cuando vi por primera vez el nuevo EP de Smog, 'Neath the Puke Tree, asumí de inmediato que refería a la ginkgo. Pero entonces miré la parte posterior y da cuenta que fué grabado en Melbourne, Australia, un lugar sin duda más perfumado que inclusive la flora de la ciudad de Nueva York. Pero eso no lo único en que estoy fallando para conectar este disco. Por primera vez en mucho tiempo, estoy empezando a tener la sensación de que los instintos de Bill Callahan no están trabajando a su favor - un pensamiento aterrador y deprimente, teniendo en cuenta el sorprendentemente coherente trabajo que ha producido en la última década.

'Neath The Puke Tree es decididamente más country que trabajos pasados de Callahan. Y no, no me refiero a "alt-country", con su tañida Telecaster y denim jackets rotas. Hay una seria influencia contry old school aquí, sobre todo en la apertura, "I Was a Stranger". La utilización de un simple pero eficaz rasgueo acústico, percusión sencilla, y florituras de guitarra slide, la pista efectivamente pinta un polvoriento cuadro de un desierto bañado por el sol que sería muy a gusto en la música western actual.

Rompiendo un poco lejos de esta fórmula, la segunda pista del disco es su destacado. Seca y desierta, "Your Sweet Entrance" es un clásico de Smog, un vago anhelo romántico expresado a través de la voz claustrofóbica de Callahan. También contiene uno de los cambios de acordes más magistralmente extraño ejecutado que haya escuchado en años.

Desafortunadamente, en este punto parece haber olvidado la primera regla de grabación de balladas de guitarra: afinar la maldita cosa! "A Jar of Sand" podría ser una gran pista, pero simplemente no pude ir más allá del hecho de que la guitarra está dolorosamente fuera de tono. No estoy seguro de lo que sería peor: si la guitarra estuviera fuera de tono por pereza, o un intento de añadir algo lo-fi "experimental" a la pista. De cualquier manera, no es nada divertido, y hace lo que sería una pareja perfectamente escuchable de pistas (esta y la cuarta pista, "Orion Obscured by Stars", ambas plagadas de este problema) insoportable. Sin embargo, aun con estas pocas pistas frustrantes, 'Neath The Puke Tree da un tirón para salir del abismo a tiempo del cierre pantanoso, "Coacheecayoo".

Después de repetir este EP un par de horas, tengo tres emociones en conflicto. En primer lugar, me siento frustrado de que Bill Callahan no se molestara en afinar la puta guitarra (hemos establecido que no, cierto?). En segundo lugar, estoy agradecido de que esto no es un LP, porque a pesar de que es por momentos muy agradable, ninguno de los temas tienen el mismo impacto que la mejor de las pistas de un álbum de Smog. Por último, espero que mis dos quejas principales con este EP no se trasladen al siguiente larga duración. Quiero decir, mierda, tal vez es realmente difícil encontrar un diapasón en Melbourne. --Matt LeMay

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Porcelain Raft - Gone Blind

Many aspiring indie musicians take the home-recorded path for lack of a better option; singer/songwriter Mauro Remiddi, who's spent the past year and change recording spectral indie pop as Porcelain Raft, continue→

revealed to P4Ker Ryan Dombal in last year's Rising profile that, for him, that path is a preferred aesthetic. The 37-year old London-via-Italy transplant previously did time in the little-known indie pop outfit Sunny Day Sets Fire, so he knows his way around a recording studio-- experience that, ironically, makes the tape-hissed tack more desirable for him. In his previous career in a full-band setting, he outlined:

"I started to make demos to show them, but then I suddenly realized that I liked the demos more than the final recordings... I like the idea of a work in progress."

The songs of Porcelain Raft sound far from incomplete, though; instead, on the project's proper debut EP, Gone Blind, they sound full-bodied and substantial. Composed of mastered material from Porcelain Raft's well of self-released 2010 EPs, this four-track (six on the digital version) record in advance of Remiddi's forthcoming full-length is a brief glimpse of his distanced compositional talents and stylistic breadth. Last year's gorgeously dew-dropped single "Tip of Your Tongue" owed debts to Swedish indie pop, strengthened here by the buzzing, Radio Dept.-reminiscent "I Found a Way". Mostly, though, Gone Blind elaborates on Remiddi's surprisingly close vocal resemblance to John Lennon; at times, the similarity in his inflection on certain syllables and held notes is uncanny. The comparison holds melodic water as well; you can hear remnants of Plastic Ono Band's ramble-rock moments in the haunted, bent-string jangle of the title track, while a peer within the beatific light of Remiddi's best song to date, "Dragonfly", reveals a positively gooey melody that works in the vein of Lennon's more sentimental, heart-tugging moments. The latter benefits most from the otherwise hard-to-notice remastering job that was done on these tracks, as Remiddi gently delivers a farewell kiss-off while surrounded by miles-wide guitar and shook percussion: "Whatever you were looking for/ It's not here anymore."

Gone Blind's closing track, "Talk to Me", is another beast entirely, as broken beats and clattering drone-noise shatter around Remiddi's snapped whispers of the titular phrase. It's a dark departure from the other songs' comparatively optimistic glow, and it's tempting to read the track's placement as indicative of what the future holds for Porcelain Raft. Unfortunately, there's no such future context to be found considering Gone Blind doesn't serve much purpose for folks who have spent the past year with these songs. For newcomers, though, it serves as a good starting point to Remiddi's growing catalog; the rest of us, it seems, will have to wait for his next move. Lucky for us, this stuff has staying power.

Muchos aspirantes a músicos indie toman el camino de grabaciones caseras por falta de una opción mejor, el cantante y compositor Mauro Remiddi, que el último año ha consumado un cambio espectral de grabación indie pop como Porcelain Raft, reveló a Ryan Dombal en Rising el año pasado que, para él, ese camino es su estética preferida. El Lond-italiano de 37 ya hizo tiempo en el poco conocido grupo indiepop Sunny Day Sets Fire,

por lo que conoce su camino en torno a un estudio de grabación. En su carrera previa con banda completa, subrayó: "Empecé a hacer demos para mostrarlos, pero luego me di cuenta que me gustaban más los demos que las versiones finales ... Me gusta la idea de obra en progreso. "

Las canciones de Porcelain Raft suenan lejos de incompletas, sin embargo, en su lugar, este apropiado EP debut, Gone Blind, suena con mucho más cuerpo y sustancial. Compuesto de material autoeditado en 2010, estas cuatro pistas (seis en la versión digital) registradas antes del próximo larga duración de Remiddi son un breve vistazo de sus talentos compositivos y amplitud estilística. El año pasado, el magnífico single "Tip of Your Tongue" tenía una deuda con el indie pop sueco, reforzado aquí por el zumbido, Radio Dept-reminiscente de "I Found a Way". Sin embargo, Gone Blind desarrolla un sorprendentemente cercano parecido vocal con John Lennon; a veces, la similitud en su acento sobre ciertas sílabas y notas sostenidas misteriosas.

La comparación retiene también la carga melódica, así, se puede oír remanentes de la Plastic Ono Band en las embrujadas cuerdas tintineantes de la pista del título, mientras que la mejor canción de Remiddi hasta la fecha, "Dragonfly" , revela una melodía pegajosa que funciona de manera positiva en las arterias del Lennon más sentimental. Los beneficios de este último son difíciles de notar por el trabajo de remasterización que se hizo en estos temas, donde Remiddi ofrece un suave beso de despedida,

"Todo lo que buscas / ya no está aquí ".

La pista de cierre, "Talk to Me", es otra bestia por completo, como los broken beats y estrepitosos drone-noise destruídos alrededor del susurro de la frase nominal. Es un punto de partida oscuro de otras relativamente optimistas canciones, y es tentador leer la colocación de la pista como indicio de lo que depara el futuro para Porcelain Raft. Desafortunadamente, no hay tal contexto para encontrar considerando que Gone Blind no ayuda demasiado para la gente que ha pasado el año pasado con estas canciones. Para los recién llegados, sin embargo, sirve como un buen punto de partida al creciente catálogo de Remiddi, y el resto de nosotros, al parecer, tendrá que esperar a su próximo movimiento. Por suerte para nosotros, estas cosas tiene poder de permanencia. --Larry Fitzmaurice

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Purling Hiss - Lounge Lizards

Mike Polizze, the man behind Purling Hiss, has tapped into a trashy aesthetic that's part of rock'n'roll's DNA. He's got introspective druggy tunes and riff-heavy party songs, both of which romanticize the brilliance of a burnout. continue→

But that's not Polizze: He's a Philadelphia friend of Kurt Vile's-- he played guitar on the Childish Prodigy tour-- who started out in Birds of Maya and made scuzzy rock records as Purling Hiss for Permanent and Woodsist before putting out this EP on Mexican Summer. But "burnout" is as good a word as any to convey his brand of rock grit, which is slathered in cruddy production and with a hard emphasis on shredding.

Lounge Lizards' six tracks serve as a logical follow up to the sound and feel of last year's Public Service Announcement, which was also a meeting of catchy hooks and awful production quality. Of course, the sound is presumably intentional and serves a few purposes on the EP: it dampen screams, accents enormous guitar solos, adds density to an already dark song, and muffles instruments sounds so they bleed together. The effect is defines Purling Hiss' sound. This time around, the production doesn't completely warp the tuning in the middle of a song like it did on Public Service Announcement; instead, he opts to make everything sound vaguely smothered.

Just past the muffled noise, there are some bold, well-executed tunes. "The Hoodoo" serves as the instant earworm of the record, offering a power chord-driven hook, a far-away percussion stomp, a note-perfect guitar solo, and a stupidly catchy and simple melody of dudes singing "HOODOO!" between verses. On "Karaoke Nite", beneath completely unintelligible vocals, you can hear the muddy shouts of "whoo whoo" reminiscent of the ones on the Stones' "Sympathy for the Devil" and a fluidly harmonizing guitar. There are dozens of well thought-out, off the cuff, immediately catchy elements like this on Lounge Lizards, and it's clear Polizze has become more than adept at crafting great rock songs.

There's also a lot in the way of mood-- like in the heavy, deliberately paced trudge of "Voices", a track that finds Polizze stoned and hearing voices in his head. He's not frantic or frightened-- he delivers the song with a lazy whine, which pushes forward one brand of actual, not-stereotypical stoner paranoia ("I don't want to be alone/ Don't want to be stoned"). Meanwhile "City Special" lets Polizze stretch out into doomier territory. He still throws dynamic guitar accents into the mix, but keeps most of the elements to a drone.

Sometimes Polizze gets overindulgent. On "Midnight Man", he offers an urgent riff and what sounds like an army of metalheads shout-singing, "I am the midnight man." And while the intimidation comes through, it wears thin halfway into the track. Ultimately, it's a shortcoming that's easy to overlook when it's sandwiched between two high-flying guitar monsters like "The Hoodoo" and "Been Teased". And really, "Midnight Man", both literally in track placement and in its ominous lyrical mantra, is the centerpiece of the burnout savant aesthetic that Lounge Lizards pushes. If you're stoned and hooked on a groove, sometimes you just keep going.

Mike Polizze, el hombre detrás de Purling Hiss, ha aprovechado la estética trash, parte del ADN del rock'n'roll. Tiene melodías introspectivas narcóticas y algunos riffs pesados, idealizando la brillantez del burnout. Pero ese no es Polizze: Es un amigo de Filadelfia de Kurt Vile - tocaba la guitarra en la gira de Childish Prodigy - quién se inició en Birds of Maya y grabó algunos sucios registros de rock como Purling Hiss para Permanent y Woodsist antes de poner este EP en Mexican Summer. Pero "burnout" es solo una de las palabras para describir su estilo de rock enarenado, untado en una producción horrenda y con un fuerte énfasis en los shreds.

Las seis pistas de Lounge Lizards sirven como consecuencia lógica, del sonido y sensaciones del Public Service Announcement del año pasado, donde también metían ganchos pegadizos a una producción de horrible calidad. Por supuesto, el sonido es probablemente intencional y sirve a los propósitos del EP: moderar los gritos, acentuar los enormes solos de guitarra, agregar densidad a canciones de por sí oscuras, y amortiguar los sonidos de los instrumentos para que desangren juntos. El efecto que define el sonido de Purling Hiss. Esta vez, la producción no deforma completamente las melodías en medio de la canción como hacían en Public Service Announcement; sino que optan por hacer que todo suene vagamente sofocado.

Nada más pasado el ruido sordo, hay algunas canciones en negrita y bien ejecutadas. "The Hoodoo" sirve como earworm del registro, ofrece poderosos ganchos y acordes, una lejana percusión Stomp, un solo de guitarra de notas perfectas, y una melodía estupidamente pegadiza y simple de tipos cantando "Hoodoo" entre los versos. En "Karaoke Nite", bajo una voz totalmente ininteligible, se puede oír los fangosos gritos de "whoo whoo" que recuerda al "Sympathy for the Devil" de los Stones y una guitarra fluidamente armonizante. Hay docenas de bien pensado, frutos de la casualidad, elementos inmediatamente pegadizos como este en Lounge Lizards, y es claro que Polizze, se ha convertido en más que un experto en la elaboración de grandes canciones de rock.

También hay mucho de estados de ánimo - como en la pesada, deliberadamente penoso ritmo de "Voices", un tema que encuentra un Polizze borracho y oyendo voces en su cabeza. No es frenético ni amedrentado - ofrece la canción con un gemido perezoso, que siempre impulsa adelante una marca de lo verdadero, no estereotipada paranoia stoner ("No quiero estar solo / No quiero estar borracho"). Mientras tanto, "City Special" permite a Polizze extienderse por el terreno de los condenados. Todavía lanza dinámicas guitarras en la mezcla, pero en su mayoría prefiere drones.

A veces Polizze es indulgente. En "Midnight Man", ofrece un riff urgente y lo que suena como una armada de metaleros cantando, "Yo soy el hombre de la medianoche." Y mientras que la intimidación atravieza, se agota a mitad de camino de la pista. En última instancia, es un defecto que es fácil pasar por alto cuando se encuentra entre dos high-flying guitar monsters como "The Hoodoo" y "Been Teased". Y realmente, "Midnight Man", en sentido literal en la colocación de la pista y en su mantra lírica siniestra, es la pieza central de la estética del sabio agotamiento que empuja Lounge Lizards.

Si estás drogado y enganchado a un surco, a veces, sólo tienes que seguir adelante. --Evan Minsker

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Spacemen 3 - Transparent Radiation

Following on from the Walkin' With Jesus single, Transparent Radiation was as crucial a step in the transformation of Spacemen 3 into a truly unique band, heralding the upcoming Perfect Prescription album in just the right way. continue→

The core of the single was two different takes on the title cut, a gentle cover of the Red Krayola psych classic, drumming barely there, with guest violin from Owen John. The first take features double-tracked vocals and sudden bursts of higher volume, while the second is the full version from Perfect Prescription itself, with a longer instrumental beginning. In between the two versions was an equally fascinating song, "Ecstasy Symphony," an instrumental drone/flange/feedback composition of textures by Sonic that's pure electronic bliss and float. Appearing only in an edited form on Perfect Prescription, here it's at its full sweeping length, including spoken word portions at the beginning and end by Sonic, plus violin from John. Two more cuts filled out this striking (and practically album-length) release, the first being another song familiar from The Perfect Prescription, "Things'll Never Be the Same," here in a slightly different version with clearer (or perhaps simply different) vocals and varying guitar solos. The final song, meanwhile, also visited someone else's material -- "Starship," the Sun Ra composition reworked by the MC5 and made famous via its appearance on Kick Out the Jams. Spacemen 3 do the song proud, kicking up a loud noise and then some with its halfway to freeform megasprawl.

Tras el single "Walkin' With Jesus", Transparent Radiation fué un paso decisivo en la transformación de Spacemen 3 en una banda verdaderamente única, anunciando de la manera correcta su siguiente álbum The Perfect Prescription. El núcleo del disco fueron dos diferentes tomas del corte del título, un amable cover del clásico psych de Red Krayola, con apenas batería y el violín invitado de Owen John.

La primera toma se caracteriza por double-tracked vocals y repentinos estallidos de mayor volumen, mientras que el segundo es la versión completa de Perfect Prescription, con una larga intro instrumental. Entre las dos versiones una canción igual de fascinante, "Ecstasy Symphony", una composición instrumental de textura drone/flange/feedback por Sonic de pura beatitud electrónica.

Dos cortes más completan este notable EP (y casi LP), la primera es otra canción conocida de Perfect Prescription, "Things'll Never Be the Same," aquí en una versión ligeramente diferente, con mayor claridad (o tal vez simplemente diferente ) en las voces y variaciones en los solos de guitarra.

La última canción, por su parte, también visitó material ajeno - "Starship", la composición de Sun Ra reelaborada por MC5. Spacemen 3 lleva con orgullo la canción, levantando un fuerte ruido de jams libres.

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Juana Molina - Encuentro en el Estudio

Encuentro en el estudio es una excelente serie del Canal Encuentro en la cual numerosos artistas de primer nivel establecen un diálogo intimista y relajado con el conductor Lalo Mir, recreando la magia de grabar en los míticos estudios ION junto al histórico técnico Jorge "Portugués" Da Silva, cuyo nombre figura en tapas de discos, desde Spinetta a la Negra Sosa. "Hoy tiene 75 años y sigue en plena vigencia, sabe cómo enfrentarse a grabar a un power trio como Divididos o a la sutileza del Chango Spasiuk".

"La música forma parte de la cultura de los pueblos, expresa deseos y emociones, refleja las identidades de época. Y son los músicos quienes encarnan esa rama del arte. Por eso, Encuentro presenta un ciclo de entrevistas exclusivas a músicos destacados que gravitan en la escena nacional desde diferentes géneros, realizado en los estudios Ion y conducido por Lalo Mir.

El programa recorre la historia esencial de los artistas, buscando descubrir la poesía detrás de las canciones, desgranar las armonías en un clima intimista, y encontrar el lugar que cada músico ocupa dentro de la sociedad.

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Anthony Reynolds (with Vashti Bunyan & Charlotte Greig) - Bees Dream Of Flowers And Your Summer's Meadow Breath

An excellent three tracks to accompany last December's British Ballads album by ex-Jack main player Anthony Reynolds. Vashti Bunyan's contribution to this three-track EP is the obvious choice as a standout, the choral and string arrangement's continue→

mirroring the ethereal, dreamlike quality of her vocal performance while haunting electronic tones lift the piece beyond the spectrum of traditional folk fare. New song 'Like The Sun Feeds From The Flowers' is a collaboration with Charlotte Greig, all sounding splendidly like a Nashville duet on this recording (but with Brit accents, obviously). Finally, the simple violin and electric guitar arrangement of 'It Isn't So' delivers an especially raw piece of gothic folk, perhaps reminiscent of I See A Darkness-era Bonnie 'Prince Billy or Nick Cave. Very good indeed.

Tres excelentes pistas para acompañar el último álbum -British Ballads- del fundador y ex Jack, Anthony Reynolds. La contribución de Vashti Bunyan a este EP es obviamente lo mas destacado, los arreglos coral y de cuerdas reflejan la etérea y surreal calidad de su interpretación vocal, mientras que los inquietantes tonos electrónicos levantan la pieza más allá del espectro del folk tradicional. La nueva canción 'Like The Sun Feeds From The Flowers' es una colaboración con Charlotte Greig, todo suena espléndidamente, como una especie de dúo de Nashville con acento británico. Por último, el sencillo arreglo de violín y guitarra eléctrica en 'It Isn't So', ofrece una pieza especialmente cruda de gothic folk, tal vez una reminiscencia de la época I See A Darkness de Bonnie Prince Billy, o Nick Cave. Muy bueno. --Boomkat

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Kings Of Convenience – Playing Live In A Room

If Nick Drake invented whatever we're going to call this kind of music, and Belle and Sebastian revived it, I credit the Clientele and the Norwegian duo Kings of Convenience for lending it enough critical mass to constitute a genre. continue→

Although this five-song live EP has its own title, it could also easily have been packaged as the single for the first track from Kings of Convenience, "Toxic Girl", which is also the first song here. KoC's album arrangements are hardly cluttered, so I actually have to do an A/B comparison to remember how the album version of "Toxic Girl" differed from this. Oh right, the rhythm section. I quite liked the crisp drums on the album version, now that I'm reminded of their existence, but I don't miss them here, nor do the other four acoustic songs here seem in any way incomplete. "Singing Softly to Me" is restless and jazzy, and more instruments might easily wreck it. "Into the Ring of Fire" ought to win some sort of award for misleading titling, as if it portrays the emotional state of somebody being plunged into a ring of anything, it's probably pillows or a very lightly scented moisturizing lotion. The skeletal, piano-led "Parr-á-Pluie", sung in a hushed French, isn't even that menacing. Only the final track, "Until You Understand", where the guitar speeds up a little and Eirik and Erlend revert to their Simon and Garfunkel harmonies, hints at the larger possibilities of a band arrangement. Often, small rooms are big enough.

Si Nick Drake inventó lo que llamaremos este tipo de música, y Belle and Sebastian, lo revivió, doy el crédito a Clientele y al dúo noruego Kings of Convenience de dar suficiente a la masa crítica para constituir un género. Aunque estas cinco canciones en vivo del EP tienen su propio título, también podría fácilmente haber sido empaquetado como single de la primera canción de Kings of Convenience, "Toxic Girl", que es también la primera canción aquí. Los arreglos aquí son casi desordenados, por lo que en realidad tienes que hacer una comparación para recordar la versión del álbum. Ah cierto.. la sección rítmica. Ahora que recuerdo, me gustaron bastante las percusiones claras en la versión del álbum, pero no los echo de menos aquí, ni tampoco las otras cuatro canciones acústicas parecen de alguna manera incompletas. "Singing Softly to Me" es inquieta y jazzy, y una mayor instrumentación podría fácilmente destruirlo. "Into the Ring of Fire" debería de ganar algún tipo de premio al mejor título engañoso, como si se retrata del estado emocional de alguien que se hundió en un anillo de la nada, aunque es probable que sea a una almohada o una crema hidratante muy ligeramente perfumada. La esqueletal, "Parr-á-Pluie", cantada en un silencioso francés, ni siquiera es amenazante. Sólo la última canción, "Until You Understand", donde sube un poco la velocidad de la guitarra, y Eirik & Erlend vuelven a sus armonías más Simon & Garfunkel, dando indicios a posibilidades de mayores arreglos de la banda. A menudo, las habitaciones pequeñas son lo suficientemente grandes. --Furia.com

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White Wishes - Today

White Wishes is the solo-project of Nikita Pavlov's conjuring of daydreams, cold Berlin winters and warmth of sincerity into simple pop songs. continue→

Having come from a small town near St. Petersburg in Russia, Nikita escaped to Berlin where he met Australian bass player Andrew Knox during the winter of 2010. They quickly recorded a group of songs before Andrew had to move back to Sydney, where he later joined the band "Made In Japan". These recordings ended up being the "Hold Your Hand" single that was released for free online.

In the same year, Nikita returned to Russia where he then completed his first EP titled "Today" and had the songs fine tuned with the help of a friend named Maxim Polivanov of the band Motorama.

The winter is just beginning and White Wishes is the perfect companion to bring an extra bit of light to the shortness of day.

White Wishes will release their international debut as part of Shelflife Record's "1000 Series" in Spring 2011, which will feature some new and re-worked older recordings.

For fans of Galaxie 500, Felt, St. Christopher, The Radio Dept., Tears Run Rings, The Legendary Bang


Praise for White Wishes:

"Happy and Afraid was the first song I heard and I was hooked. The EP is the perfect backdrop to the wintry weather that many, including me, are experiencing right now. The songs give off a dreamy, shoegaze-y sound with floating vocals and guitars from Nikita."
- Killahbeez

"Sounding like a cross between Minks and Real Estate, White Wishes continues to deliver relaxed tunes coursing dreamy guitar riffs and oozing soothing vocals."
- Escucharemos

"...the perfect soundtrack to the recent snowy weather we have been enjoying here in northern England. It is reminiscent in parts of bands like The Field Mice and Galaxy 500 but also has it's own sound which is very much today."
- Burning World

"I'm not often at a loss for words when it comes to music, but regarding White Wishes let me say this: if this is what they are choosing to just give away, the official release should be phenomenal."
- Tympanogram

"The lush and airy vocals soar right over the big reverb-y percussion, as the jangly guitar-hook sits quietly in the background. It's warm and inviting, a gentle touch."
- Flashlight Tag

"Here's a wintery song for the wintery weather. White Wishes come from Berlin, and play in a style similar to Deerhunter or Minks maybe. Stay warm and comfy during the snow attack, everyone."
- Zen Tapes

"...absolute gem from a German band called White Wishes. I know nothing about them, but this has a touch of shoegaze, a touch of dream pop and for all it didn't grab me immediately, the band match The Scottish Enlightenment's knack of letting a song have time to sink in, rather than rushing to splash the Big Main Riff all over the place as soon as possible."
- Song By Toad
Shelflife

White Wishes es el proyecto solista de Nikita Pavlov, un conjuro de sueños, fríos inviernos de Berlín, y el calor de la sinceridad en simples canciones pop. Procedente de un pequeño pueblo cerca de San Petersburgo en Rusia, Nikita se escapó a Berlín donde se reunió con el bajista australiano Andrew Knox durante el invierno de 2010. Rápidamente grabaron un puñado de canciones antes que Andrew regresara a Sydney, donde más tarde se uniría a la banda "Made In Japan". Estas grabaciones terminaron siendo el single "Hold Your Hand" lanzado online gratuitamente.

En el mismo año, Nikita volvió a Rusia, donde completó su primer EP titulado "Today" con la ayuda de Maxim Polivanov de Motorama.

El invierno acaba de empezar y White Wishes es el compañero perfecto para llevar un poco más de luz a la brevedad de los días.

Recomendable para fans de Galaxie 500, Felt, St. Christopher, The Radio Dept., Tears Run Rings, The Legendary Bang.

Shelflife

Elogios para White Wishes:

"Happy and Afraid fué la primera canción que escuché y me ha enganchado. El EP es el escenario perfecto para el clima invernal que muchos, incluido yo, estamos experimentando ahora mismo. Las canciones desprenden un sonido dreamy, shoegaze de voces y guitarras flotantes de Nikita. "
- Killahbeez

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The Singer Not The Song - Winter Demos

Muy al margen de lo que Mick Jagger quería decirnos en 1961 con la canción que da nombre a este proyecto, nos imaginamos que Francisco Rojo está claramente convencido de que es la obra y no el artista quien ha de hablar y convencer. Y a nosotros, desde luego, nos ha convencido con sus canciones de esto y no de lo contrario, pero como mínimo reflexionamos sobre la lacónica e irónica afirmación de su nombre de guerra: "el cantante, no la canción".

En mond bar recibimos su epé de su mano, recordándonos con ese gesto que sigue habiendo vida más allá de Myspace, aunque finalmente y por comodidad hayamos terminado disfrutando de su propuesta dándole al play con el ratón. escuchando detenidamente los temas de su reproductor virtual podemos vislumbrar que rojo se mueve con mucha comodidad y soltura por los caminos del pop-folk anglosajón de los sesenta y su versión americana más descarada, que le encantan los arreglos minimalistas y psicodélicos del señor George Harrison, y que no se conforma con crear un cancionero homogéneo y lineal sino que intenta explorar todas las posibilidades de su registro, mucho más amplio de lo que uno puede deducir en las primeras escuchas. mención especial para la versión de The 6ths (unos de los múltiples proyectos de Stephin Merritt) y para 'The Song I Sing When I am Here', en la que despliega todo su potencial folk. buenas canciones, no hay duda. -- Gratasorpresa

No recuerdo el momento que abandoné los grupos que vendían los medios especializados y empecé a interesarme en los verdaderos artistas.
Se que fue antes de crear El Mundo de Mimi y desde luego mucho antes de crear Rock is Roll.
Pero me alegro tanto y de vez en cuando aparecen personas como Xisco, cantante de The Singer Not The Song, que te hacen ver que el camino tomado era el correcto.

Xisco me impactó de cerca, por su voz, tiene magia, tiene duende y cuando empuña su guitarra en los estudios de Radio Utopia detiene el tiempo.
Dejó tres canciones para el recuerdo que puedes ver y escuchar en el blog del programa "Amanecer en Tequila"

Al margen de todo eso tiene un EP llamado "Not I" que regala de forma gratuita desde su Myspace y me parecería una injusticia no compartirlo con todos vosotros, fieles lectores del Nautilus.

Tómate tu tiempo, escúchalo sin prisa y verás que sus melodías formarán parte de ti para el resto. -- Nautilus

buyering....

Porcelain Raft - Fountain's Head

Porcelain Raft (también conocido como Mauro Remiddi) es un singer/songwriter y multiinstrumentista romano, de austero dream pop, que actualmente tiene su hogar, y su música en Londres.

Él toca sus canciones, con segmentos grabados (algunos en vivo al estilo Juana Molina), utilizando guitarras, teclados, sintetizadores, loops y samples. Remiddi también compone scores, como el que fuera ganador del "Davide di Donatello" (equivalente del cine italiano de los Oscar) al mejor cortometraje, La Matta dei Fiori.

Las pistas musicales fijadas por Porcelain Raft son algunos de los mejores que tiene para ofrecer el género, con melodías intrincadas y pistas que se entrecruzan con delicadas guitarras, keys y componentes electrónicos. Las voces son resecas y apagadas, casi como a punto de caer al suelo y romperse en pedazos.

El Ep de 5 canciones va desde el dulce “Images from the Light House” y la maravillosa “Everything from Your Hands,” a la espeluznante e inquietante “This is Not Our Home.”

Read it Here

Porcelain Raft (AKA Mauro Remiddi) is a Rome, Italy born singer/songwriter/multi-instrumentalist, dream pop autere who currently makes his home, and his music in London.

He plays all of his songs live for his albums as they’re recorded, using guitars, keyboards, synths, samples, and loops. As an aside, Remiddi was the winner of a 1997 “Davide di Donatello” (the Italian cinema’s equivalent of an Oscar) for best short film, La Matta dei Fiori, for which he composed the music.

He’s just released the Fountain’s Head EP. The musical tracks laid down by Porcelain Raft are some of the finest the genre has to offer, with intricate melodies and tracks that interlace the fine guitar playing with keyboards and electronic components. The vocals are whispy, off key, almost ready to fall to the floor, and be smashed to pieces. Perhaps purposefully, perhaps not - the style add an edge.

The album’s songs range from the sweet “Images from the Light House” and the wonderful “Everything from Your Hands,” to the creepy and unsettling “This is Not Our Home.” We’ve included “Images” and “Everything” below. Check out the Porcelain Raft links to the right for more music on his bandcamp and other pages.

o en inyourspeakers

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Jonquil - One Hundred Suns

**Mientras lees esto alguién más está disfrutando de Jonquil**

¿Quién?

Jonquil son un grupo de Oxford, Reino Unido, que incursiona en math rock y folk pop de una manera que ellos describen como "Paul Simon tocando The Smiths".

¿Cómo es?

Muy muy bueno.

Tanto si escoges aceptarlo o no, hay un rincón de tu cerebro y resquicios en tu corazón que quieren amar a Jonquil. Su mezcla intrincada, y llena de matices de gnómica indie-pop, es efervescente, atemporal, y totalmente resplandeciente. Como una versión más inteligente de Vampire Weekend, son confiables, despreocupados y absolutamente cautivadores. El primer single "Get Up", es gaseoso, soleado y engañosamente astuto. En sus primeras escuchas la canción es ligeramente decepcionante, no tanto por su ritmo y su viraje, sino por la inclinación a murmurar de su vocalista Hugo Manuel. Como si tuviera la boca llena de canicas, sus expresiones y versos a menudo pueden ser reprimidos, templados y francamente alienantes. Pero con un poco más de escuchas la canción nada por el torrente sanguíneo.

El synth-fueled de "Fighting Smiles", es uno de los picos más altos, un falsete cargado de guitarras arremolinadas, percusión íntima y un estribillo dulce y conmovedor tan fuerte como cualquiera lanzado este año. Por el contrario en "Get Up", la voz de Manuel es cristalina, enlistada y controlada. En pocas palabras, es tan perfecta como cualquier cosa en el EP. No todo es una exageración sin embargo. "It Never Rains", y "Pillow Quest," son un confuso caos en el medio del disco y si no fuera por la dinámica de "Compound", la hermosa "I Don't Know, I Know", y el acordeonado "Lions", este EP probablemente no valdría la pena mucho más que por "Fighting Smiles" & "Get Up". Afortunadamente ese no es el caso y este es un EP vale la pena revisar.
Read the Original Here

Whether you choose to accept it or not, there's a corner in your brain and crevice in your heart that wants to love Jonquil. Their intricate, highly nuanced blend of gnomic indie-pop is effervescent, timeless and utterly resplendent. Like a brainier version of Vampire Weekend, the four bucks that make up Jonquil are confident, carefree and wholly captivating. Lead single "Get Up," is fizzy, sun-drenched and deceptively sneaky. On its first few listens the song is mildly underwhelming, not so much for its rhythm or its swerve, but mostly for vocalist Hugo Manuel's penchant for warbled mumbling. As if he has a mouth full of marbles, his utterances and verses can often be repressed, foggy and downright alienating. But sure enough a few more listens and the song swims into the bloodstream.

The synth-fueled "Fighting Smiles," is one of the EP's true peaks, a falsetto-laden affair with swirling guitars, intimate drumming and a sweetly affecting chorus as strong as any released this year. On the contrary to "Get Up," Manuel's vocals are crystalline, controlled and on the mark. In short, it's as close to perfect as anything on the EP. It's not all hyperbole though. "It Never Rains," and "Pillow Quest," are a muddled mess of a middle section and were it not for the dynamic "Compound," the gorgeous "I Don't Know I Know," and the accordion-laced "Lions," this EP probably wouldn't be worth much more than "Fighting Smiles," and "Get Up." Thankfully that's not the case and this is an EP worth revisiting.

While the trio leans decidedly towards Afro-pop, they aren't exactly Vampire Weekend 2.0. More importantly, they're all quite young (all members are in their early 20s) and are just now hitting their stride. That very fact means the future is decidedly bright and the music world can certainly rejoice for Jonquil's future releases. Even you, dear reader, even you.

o en Absolute Punk

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Kurt Vile & The Violators - The Hunchback

Luego del discazo que resultó ser “God Is Saying This To You…”(Mexican Summer, 2009), la segunda entrega del norteamericano pensilvano Kurt Vile, aparece meses después la grabación de un epé ,esta vez junto a The Violators. Seis canciones variadas y precisas que perfilan una vez más a este songwriter como uno de los talentos con menor vulnerabilidad en la escena de nuevas generaciones del psych nortemericano.

The Huchback, la homónima y primera canción del disco muestra sin mayores pretenciones el estilo clásico del rock psicodélico de pulso lento con maracas acompañando a la batería y una guitarra minimalista que además del uso de distorsión, no arriesga con adornos recargados sobrevaloración, muy parecido a lo que hace en “Constant Hitmaker” (Woodsist, 2008).

Damn You, instrumental, se asemeja (sobre todo por el drum beat) más bien a lo que hacía The War On Drugs, banda que precede al trabajo de solista que hoy desempeña.

Losing It y Hunchy’s Back son continuidad pura, ambas de un minuto y medio, sin altos ni bajos y llenas de atmósfera. En la primera, sólo dos guitarras, una en punteo y otra en rasgueo se acompañan en la realización de una armonía lenta. La segunda, posee más arreglos. Vuelve a utilizar maracas y la batería nuevamente refiere a The War On Drugs.

Good Lookin’ Out, canción número cinco, es sin duda, el punto más alto del disco y quizás, sin exagerar, el mejor registro de Kurt Vile desde que debutó como solista. Cinco minutos en los que en buen shileno. “se tira toda la carne a la parrilla”. Garage, Psicodelia, Afro Beats y otros ritmos configuran un adictivo Hit no apto para “hiteros. del mal”,

Slick Licks con menos fuerza que la anterior pero no menor mérito, cierra el disco, dejando las expectativas altísimas para el siguiente LP titulado “Childish Prodigy (Matador, 2009)”. Esto es productividad. Sofía Villanueva
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Micah Buzan - Heal The Weak

¿Alguna vez te encuentras con bloqueos creativos? De ser así, ¿cómo vuelves a la pista?

La mejor manera de salir de un bloqueo creativo es seguir creando sin ningún tipo de intenciones. Si te encuentras atascado, incapaz de producir nada, llena tú mente de ideas con libros, películas, naturaleza, reuniones sociales, o cosas que normalmente no te expongan a (nada destructivo). Más información en el cerebro te permite más ideas para nadar y menos posibilidades de ahogarte. A veces sólo es necesario hacer caso omiso de los salvavidas y hacer algo loco!

La respuesta es sencilla para este inquieto chico de Kansas, canciones que atraviesan sin límites del folk más puritano a la inocencia electro-laboriosa del bedroom, y hacerse tiempo para grandes pasajes animados de elaboración propia.

Más preguntas para Micah en su Formspring, y sus discos en
su Bandcamp.
Read the Original Here

Do you ever find yourself with a creative block? If so, how do you get back on track?

Great question. Here's my opinion:

The best way to get out of a creative block is to keep creating without any intentions. If you find yourself stuck, unable to produce anything, fill your mind with ideas via books, movies, nature, social gatherings, or things you normally wouldn't expose yourself to (nothing destructive). More information in the brain-pool of ideas allows for more ideas to swim around with and less room to drift aimlessly. Less chance of drowning if you have a bunch of ideas to look after you. And sometimes you just need to ignore the lifeguard and do something crazy!

While it's healthy to take breaks now and then, waiting for a creative block to pass on it's own can potentially waste a lot of time. Also, waiting around can become a nasty habit, eating time that could otherwise be used to create! Ultimately, you have to listen to what your body is telling you. Finding a healthy balance of rest time and work time is the trick to avoiding creative blocks.

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Explosions In The Sky - The Earth Is Not A Cold Dead Place

Explosions In The Sky es una de las tantas bandas que crece en la actual escena Post-Rock, The Earth Is Not A Cold Dead Place, es su segundo álbum lanzado, donde la banda llevó sus sonido de una distorsión rompe-oidos escuchada en su primer álbum, a piezas instrumentales exquisitamente compuestas, donde predomina el hermoso timbre de la guitarra con simples y hermosas melodías que tocan el corazón.

El álbum es en mayor parte, animado y alegre, aun con los momentos que evocan mas nostalgia y melancolia, diría que Explosions In The Sky transmite.... esperanza. Las inmensas melodias y las armonías ... juguetonas tienen una presencia asombrosa y es seguro que provoquen cientos de reacciones en tu persona, es música perfecta para cerrar tus ojos y dejar que te lleve, perfecta para mirar por la ventana en un largo viaje y pensar, imaginar.

The Earth Is Not A Cold Dead Place es la prueba de que no necesitas un gran numero de músicos para crear hermosos instrumentales y bellisimos, épicos pasajes ascendentes y climax sin igual. Solo 4 personas, 4 instrumentos, un torrente de emociones y una atmósfera poderosa, este álbum nos recuerda que... en efecto, la tierra no es un lugar frio y muerto. Ocelot
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Toe - Songs,Ideas We Forgot

Toe es un grupo musical japonés. Si bién se menciona en muchos círculos de post-rock, la estructura y dinámica de sus canciones puede ser similar a muchos artistas populares de math-rock.

Toe se compone de:
- Kashikura Takashi / Drums
- Mino Takaaki / Guitar
- Yamane Satoshi / Bass
- Yamazaki Hirokazu / Guitar

Toe ha tocado oficialmente con este line-up desde el inicio de la banda en 2000. Actualmente son una de las tres bandas de la etiqueta indie Machu Picchu, junto con Mouse On The Keys y Enemies. El sello fué fundado por los miembros de la banda.

La gran mayoría de la música es instrumental y corre trás las rápidas y agudas ejecuciones de los tambores de Takashi. También son conocidos por sus melodías de guitarras limpias, además de composiciones que repiten típicos rock-motivs, con cambios muy sutiles en el compás y el ritmo que forman un sonido único. La banda ha cambiado su sonido mediante la incorporación de guitarras acústicas, Piano Rhodes, y vibráfonos en sus lanzamientos más recientes.
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Kurt Vile - Square Shells

Cuando Kurt Vile desembarcó por primera vez en la escena a principios del año pasado, tienes la sensación de que podía escribir canciones por docenas. En octubre, Matador dió a conocer "Childish Prodigy", el primer larga duración del psych-folker de Filadelfia para el sello. Sonaba como si Vile hubiese dejado atrás la música de dormitorio para adentrarse en un estilo de rock más clásico. Violators, su banda de acompañamiento marca cada curvado riff con cuánto delay y recorte freak puediese encontrar. "Childish Prodigy" no solo fué más directo que cualquier cosa que había hecho hasta ese momento, sino que también capturó su crecimiento, ofreciendo destellos de un compositor con su mejor aún por venir. Ocho meses más tarde llega este EP, "Square Shells". Un lanzamiento que Vile y Matador utilizan para cerrar la brecha entre Childish y su siguiente LP. Sin embargo, son siete canciones bellamente secuenciadas en 27 minutos, más substanciales que lo tradicional, y con más para explorar.

Kurt tiene un don para encontrar las texturas adecuadas para sus canciones. En su mejor momento, todas las capas de sonido son suntuosas a su manera. Con su fingerpicking o simplemente vagando alrededor del cuello de la guitarra, con banda completa o solista con una caja de ritmos. En su peor, las canciones pueden perderse en una gasa de efectos, pero Vile no comete el mismo error en este timeout. En el tema que abre, "Ocean City", su voz es clara con rasgueos juguetones como una luminosa melodía, dando como resultado una de sus más limpias canciones que haya grabado. En otras partes, va a lo largo de rutas más conocidas, mostrando su camino con ánimos de inmersión. "Invisibility: Nonexistent" es un ejemplo particularmente fuerte, una pieza de siete minutos de drone-drivens a través de un laberinto de perezosos loops de batería y distantes guitarras.

Un gratificante EP que deja abierta la incógnita de adónde podría ir la música de Kurt Vile. ¿Seguirá en el carril "folk" -léase 'folk'(?)- y lejos de las lamidas de la radio FM? ¿Seguirá solo o con los Violators a su lado? En "I Know I Got Religion", cantando sobre caramelizados rasgueos dice,

"Ahora he dejado de utilizar picos, no hay nada entre yo y mi guitarra / Ahora estoy tocando lejos, todos los días / Cuando estoy triste, escribo un rasgueo para tí "

. Vamos a ver cómo termina.
Read the Original Here

When Kurt Vile first landed on the scene early last year, you got the feeling that he could write songs by the dozen. In October, Matador unveiled Childish Prodigy, the Philly psych-folker's first full-length for the label. It sounded like Vile had left behind bedroom music for classic rock brawn, his backing band the Violators dialed into every curvy riff and delay-clipped freakout he could muster. Childish Prodigy was more direct than anything he had done up until that point, but it also captured growth you could hear and offered glimpses of a songwriter with his best still in front of him. Eight months later comes the Square Shells EP, a release Vile and Matador are calling a "stepping stone" to bridge the gap between Childish Prodigy and the next LP. But with seven beautifully sequenced songs in 27 minutes, it's more substantial than your traditional stopgap, with more to explore.

Vile has a gift for finding just the right textures for his songs. At his best, every layer of sound is sumptuous in its own way. This holds true whether he's fingerpicking or just wandering around the neck of his guitar, and whether with a full band or alone with just a drum machine. At his worst, songs can get lost in too much gauze and too many effects, but Vile doesn't make that mistake this time out. On opener "Ocean City", his vocals are clear and his strumming is as playful as the melody is light, and the result is one of the cleanest songs he's put to tape. Elsewhere, Vile goes it alone along more familiar routes and demonstrates his way with immersive mood. "Invisibility: Nonexistent" is a particularly strong example, a seven-minute drone-driven piece with a repeating maze of lazy drum machine and distant guitar work.

That track's lonesome feeling bleeds into all of Square Shells, be it by way of instrumental hymns "Losing Momentum (For Jim Jarmusch)" and "The Finder", or the fingerpicked echoes of "I Wanted Everything". It's a satisfying EP that leaves open the question of where Vile's music might go next. Will he work more in the folk lane and away from FM radio licks? Will he go it alone or will the Violators be at his side? On "I Know I Got Religion", he croons over caramelized strums, "Now I stopped using picks, nothing between me and my guitar/ Now I'm strumming away, every day/ When I feel blue, I write a strummer for you." We'll see how this one ends.

o en Pitchfork
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Chavez - Pentagram Ring

Pentagram Ring, continúa al debut Chávez 'Gone Glimmering', las baterías de James Lo tambores llevan la artillería pesada - menos maniática que en 'Gone..' pero no menos abrasiva. Matt Sweeney y Clay Tarver hacen nuevamente uso de su lucha-de-guitarras con heavy-distortions y brisas de serpenteadas notas. Las vocales de Matt se mantienen sobre un pulido borde entre la dulzura angelical y la angustia ronca.

Las nuevas pistas muestran muy bien la mística de Chávez. "The Nerve", fluye a través de múltiples movimientos y se niega a envolverse en los patrones definibles del tradicional verse/ chorus. "You Faded" embiste con tres mini-versos sobre el coro hasta el break sin batería. A lo largo de ambos la marca de la casa se hace presente con las densas capas dispares de guitarras y vocales. Las pistas más viejas carecen de la invención del nuevo material, pero es un buen documento del nacimiento de Chavez.

Las pistas más recientes resuenan tan profundamente como en 'Gone Glimmering' (de hecho, el mismo personal se hace cargo de mezclas y grabaciones), por lo tanto esto es una visita obligada para los aficionados. Incluso para aquellos que son nuevos a Chávez, las tres primeras pistas ofrecen una visión justa de esta genial banda.
Read the original Review Here

On the Pentagram Ring EP, Chavez's follow-up to their debut Gone Glimmering, James Lo's drumming carries the jolt of heavy artillery -- he's less manic than on Gone Glimmering but no less bracing. Matt Sweeney and Clay Tarver again use their guitars to battle each other across the speakers (or headphones, as the case may be) -- heavy distortion and blizzards of serpentine notes. Scott Masciarelli gives a competent low end but remains more subdued than on Glimmering. Sweeny's vocals maintain a polished edge between angelic sweetness and hoarse angst. This commentary applies to the two newer tracks; the older tracks (from 7" singles) notably lack the maturity of Glimmering.

The new tracks nicely show off the Chavez mystique. "The Nerve" flows through multiple movements and refuses to wrap back to a definable chorus or verse. "You Faded" gives three mini-verses ramming into the chorus and a break sans drums. Throughout both are the densely layered and disparate guitars and vocals. The older tracks lack the invention of the newer material but nicely document the birthing process.

"The Nerve" and "You Faded" are simply excellent songs, tickling heart and mind in tandem, with melody to lure you and craft to hook you. The latter tracks, "Hack the Sides Away" and "Repeat the Ending," are of more interest to fans; the songs are unfortunately more simplistic and grating. I ignore the song "Pentagram Ring" here since it's on Glimmering.

The newer tracks resonate as deeply as Glimmering (in fact, the same personnel were involved in the recording and mixing) and therefore make this release a must for fans. Even for those new to Chavez, the first three of five tracks offers a fair glimpse of this ingenious band.

o en Epinions

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Yo La Tengo - Today Is The Day

Resumiendo se podría decir que existe una doble vertiente en Yo La Tengo: los que acarician y los que dan calambres. De los primeros tenemos como muestra más inmediata el reciente e irregular “Summer sun” (2003) creado al amparo de la calidez pop, la climatología jazz y lounge, más alguna que otra aventura funky con la varita mágica de la inspiración tocándolos intermitentemente. De los segundos, a modo de epílogo, llega este mini-cd que exhibe el poderoso punch guitarrero del trío, ese que algunos echaban en falta en últimos movimientos de Georgia, Ira y James. Interconectados ambos trabajos por el tema titular, “Today is the day”- interpretado en ”Summer sun”, sensual y parsiomonioso, y aquí como uno de esos torbellinos noise pop exprimidos con nervio que recuerdan en su tratamiento al clásico “Tom Courtney”-, bien podrían considerarse como la cara y la cruz de una misma moneda. Y mucho me temo que, en esta ocasión, la cruz tiene todas las de ganar para más de uno, ya que a la citada, tanto “Styles of the times” como “Outsmartener” se aúnan en una tripleta que traslada a “esos” Yo La Tengo, los del vértice menos conocido del triángulo formado junto a Pixies y Sonic Youth allá por los primeros noventa.

Todo un placer reencontrarse con la rítmica martilleante y obsesiva a golpe de feedback de la primera, o dejarse llevar por al atmósfera oriental de la segunda, para comprobar que no, no han perdido ni un ápice de contundencia en ese terreno al que parecían haberle dado la espalda en su “madurez”.
Ambos temas, grabados el pasado año, se completan con una serie de retales guardados en la trastienda del grupo provinientes de diferentes fechas y lugares. Por un lado, una preciosista versión de “Needle of Death” (original del músico de folk contemporáneo Bert Jansch), un tremendamente curioso “Dr Crash” que bien podría ser un particular homenaje a los Booker T & Mg´s y, finalmente, una relectura en formato acústico de “Cherry Chapstick” tomada en directo para una radio australiana, que hará las delicias de todo fan que se precie. Javier Becerra
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Moby - Be The One EP

Como adelanto a su nuevo álbum Destroyed, programado para el 17 de mayo, Moby nos muestra un EP llamado Be The One, el cual consta de tres tracks “Be The One”, “Sevastopol” y “Victoria Lucas” que pueden descargarse completamente gratis a través de su página oficial Moby.com.

Destroyed , además vendrá acompañado de un libro de fotos hechas por el propio Moby: “He sido un fotógrafo desde que tenía 10 años. Sé que, en la era de la fotografía digital todo el mundo es un fotógrafo, pero yo he tomado fotografías por 35 años con una Nikon y solía trabajar en cuartos oscuros, revelado e imprimiendo, así que siento que soy un fotógrafo aficionado completo”.
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Hunters - Hunters EP

Acabo de escuchar este gran y corto EP lleno de grandes golpes de batería y riffs de guitarra noventosos. Dos de los temas fueron producidos por James Iha y el álbum fue mezclado por Nick Zinner consiguiendo en estudio un sonido rock bién producido sin perder el foco. Sus cuatro miembros logran un furioso pack de canciones de buen rock/ grunge maduro con solo apenas double-screaming-voices y fuertes guitarras descaradas a todo volumen. Una agradable mezcla de ideas viejas/ nuevas y contundentes sonidos. Good Pop, Bad Pop
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