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Smog - 'Neath The Puke Tree

When I was younger, I always displayed a penchant for botany. So much, in fact, that I had the entire plant world broken up into three botanical classifications. There were the "things that go ouch," such as stinging nettles and briar, "things that make itch," like poison oak and poison ivy, and "things that smell bad," continue→
like the cat pee-smelling ailanthus, and the vomit-smelling, fruit-bearing female ginkgo tree.

Granted, I was working within a very limited geographical scale. The world outside the Northeastern United States undoubtedly contains many, many more prickly, poisonous, and smelly plants than I've encountered. For me, a puke tree will forever be a female ginkgo, but I get the distinct feeling that God's green earth is home to many, many more plants that smell like vomit.

When I first saw Smog's new 'Neath the Puke Tree EP, I immediately assumed that the EP's title alluded to the ginkgo. But then I looked on the back of the jewel case, and noticed that the EP was recorded in Melbourne, Australia, a place that is no doubt home to more puke-scented flora than even New York City. But that's not the only level on which I'm failing to connect to this record. For the first time in a while, I'm starting to get the feeling that Bill Callahan's instincts aren't working to his advantage-- a scary and depressing thought, considering the amazingly consistent body of work he's produced in the past decade.

'Neath the Puke Tree has a decidedly more country feel to it than Callahan's past work. And no, I don't mean "alt-country," with its twanging Telecasters and torn denim jackets. There's a serious, old-school country influence at work here, especially on the EP's opener, "I Was a Stranger". Utilizing a simple but effective motif of strummed acoustic guitar, relatively straightforward drumming, and flourishes of slide guitar, the track effectively paints a dusty picture of a sun-drenched desert that would be very much at home in modern-day western music.

Breaking slightly away from this formula, the record's second track is its standout. Barren and desolate, "Your Sweet Entrance" is classic Smog, full of vague romantic longing as expressed through Bill Callahan's claustrophobic vocals. It also contains one of the most masterfully executed weirdo chord changes I've heard in ages.

Unfortunately, at about this point, Callahan seems to have forgotten the first rule of recording sparse, guitar-driven ballads: tune the fucking thing! "A Jar of Sand" could be a great track for all I know, but I just can't get past the fact that his guitar is so painfully out of tune. I'm not sure what would be worse: if the guitar were out of tune due to general laziness, or due to a shoddy attempt at adding an "experimental" feel to the track. Either way, it's not any fun, and makes what would otherwise be a perfectly listenable couple of tracks (this and the fourth track, "Orion Obscured by Stars", are both plagued by this problem) unbearable. Yet, even with these few thoroughly frustrating tracks, 'Neath the Puke Tree manages to yank itself out of the abyss in time for its closer, the swampy "Coacheecayoo".

After having this EP on repeat play for a few hours, I'm feeling three conflicting emotions. First, I'm frustrated that Bill Callahan didn't bother tuning the damn guitar (we've established that, right?). Secondly, I'm grateful that this isn't a full-length, because even though it's at times really likable, none of the tracks have the same punch as the better of Smog's album tracks. Finally, I'm hoping that my two major gripes with this EP won't carry over to the next full-length. I mean, shit, maybe it's just really hard to find a tuning fork in Melbourne.


Cuando era más joven, siempre mostré inclinación por la botánica. Tanto que de hecho, había dividido el mundo vegetal entero en tres clasificaciones botánicas. Allí estaban las "cosas que hacen ay!", como ortigas y zarzas, "las cosas que hacen picar", como la hiedra y el roble venenoso, y "las cosas que huelen mal", como la orina de gato, y el olor a vómito de las frutas del ginkgo hembra.

Por supuesto estaba trabajando dentro de una escala geográfica muy limitada. El mundo exterior, sin duda contiene muchas plantas más espinosas, venenosas, y malolientes que las que he encontrado. Para mí, un árbol vomitivo siempre será un ginkgo hembra, pero tengo la clara sensación de que la tierra verde de Dios es el hogar de muchas, muchas otras plantas con olor a vómito.

Cuando vi por primera vez el nuevo EP de Smog, 'Neath the Puke Tree, asumí de inmediato que refería a la ginkgo. Pero entonces miré la parte posterior y da cuenta que fué grabado en Melbourne, Australia, un lugar sin duda más perfumado que inclusive la flora de la ciudad de Nueva York. Pero eso no lo único en que estoy fallando para conectar este disco. Por primera vez en mucho tiempo, estoy empezando a tener la sensación de que los instintos de Bill Callahan no están trabajando a su favor - un pensamiento aterrador y deprimente, teniendo en cuenta el sorprendentemente coherente trabajo que ha producido en la última década.

'Neath The Puke Tree es decididamente más country que trabajos pasados de Callahan. Y no, no me refiero a "alt-country", con su tañida Telecaster y denim jackets rotas. Hay una seria influencia contry old school aquí, sobre todo en la apertura, "I Was a Stranger". La utilización de un simple pero eficaz rasgueo acústico, percusión sencilla, y florituras de guitarra slide, la pista efectivamente pinta un polvoriento cuadro de un desierto bañado por el sol que sería muy a gusto en la música western actual.

Rompiendo un poco lejos de esta fórmula, la segunda pista del disco es su destacado. Seca y desierta, "Your Sweet Entrance" es un clásico de Smog, un vago anhelo romántico expresado a través de la voz claustrofóbica de Callahan. También contiene uno de los cambios de acordes más magistralmente extraño ejecutado que haya escuchado en años.

Desafortunadamente, en este punto parece haber olvidado la primera regla de grabación de balladas de guitarra: afinar la maldita cosa! "A Jar of Sand" podría ser una gran pista, pero simplemente no pude ir más allá del hecho de que la guitarra está dolorosamente fuera de tono. No estoy seguro de lo que sería peor: si la guitarra estuviera fuera de tono por pereza, o un intento de añadir algo lo-fi "experimental" a la pista. De cualquier manera, no es nada divertido, y hace lo que sería una pareja perfectamente escuchable de pistas (esta y la cuarta pista, "Orion Obscured by Stars", ambas plagadas de este problema) insoportable. Sin embargo, aun con estas pocas pistas frustrantes, 'Neath The Puke Tree da un tirón para salir del abismo a tiempo del cierre pantanoso, "Coacheecayoo".

Después de repetir este EP un par de horas, tengo tres emociones en conflicto. En primer lugar, me siento frustrado de que Bill Callahan no se molestara en afinar la puta guitarra (hemos establecido que no, cierto?). En segundo lugar, estoy agradecido de que esto no es un LP, porque a pesar de que es por momentos muy agradable, ninguno de los temas tienen el mismo impacto que la mejor de las pistas de un álbum de Smog. Por último, espero que mis dos quejas principales con este EP no se trasladen al siguiente larga duración. Quiero decir, mierda, tal vez es realmente difícil encontrar un diapasón en Melbourne. --Matt LeMay

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Yo La Tengo - And Then Nothing Turned Itself Inside-Out

After years as one of indie rock's standard-bearing groups, Yo La Tengo surpasses itself with And Then Nothing Turned Itself Inside-Out. continue→
A culturally literate, emotionally rich album, on songs like "Let's Save Tony Orlando's House," "The Crying of Lot G," and "The Last Days of Disco," it alludes to The Simpsons, enigmatic author Thomas Pynchon and independent films while exploring the comforting, confining, complex aspects of relationships. "Our Way to Fall" sets Ira Kaplan's recollection of falling in love to a dreamy, down-to-earth backdrop of gently brushed drums, luminous organs and vibes; "The Crying of Lot G" transforms the syrupy sweetness of '50s ballads into a monologue about a relationship's shortcomings. "Madeline"'s shimmery indie bossa-nova and the countrified ballad "Tears Are in Your Eyes" showcase Georgia Hubley's buttery, empathetic voice; her singing makes these vignettes universal as well as personal. Like mature indie rock records such as Pavement's Terror Twilight and Jim O'Rourke's Eureka, And Then Nothing... favors mellow songwriting, detailed arrangements, and eclectic influences, such as the Silver Apples-like drum machines and doo wop backing vocals that adorn many of the songs. The wintry, implosive "Everyday" uses both of these elements, along with a plaintive guitar and hushed, hypnotic vocals, to begin the album on a surprisingly somber note. Similarly, the off-kilter beats, odd piano bursts, and harmonies on "Saturday" add to the song's awkward, uneasy beauty. Finally, nine songs into the album, Yo La Tengo breaks out the whammy and feedback action on "Cherry Chapstick," their most incandescent song since "Sugarcube." Easily one of 2000's most accomplished albums, And Then Nothing Turned Itself Inside-Out isn't as immediate as some of the group's earlier work, but it's just as enduring, proving that Yo La Tengo is the perfect band to grow old with.


Después de años de abrir para los grupos más conocidos de indie rock, Yo La Tengo se supera a sí mismo con And Then Nothing Turned Itself Inside-Out. A la cultura lyrica, y un emocionalmente rico álbum, con canciones como "Let's Save Tony Orlando's House," "The Crying of Lot G," and "The Last Days of Disco," donde aluden Los Simpson, al enigmático autor Thomas Pynchon, y algunos films independientes, mientras explora los aspectos más complejos de las relaciones. "Our Way to Fall" alínea los recuerdos amorosos de Ira Kaplan, con cepilleos percusivos dreamy como telón de fondo, órganos luminosos y vibraciones, "The Crying of Lot G" transforma la dulzura melosa de las baladas de los años '50 en un monólogo acerca de las deficiencias de una relación. "Madeline" radiante de bossa-nova indie, y la balada rústica "Tears Are in Your Eyes" muestran la suavidad y empatía vocal de Georgia Hubley, su canto hace que estas historietas sean tanto universales, como personales. Al igual que maduros discos indie como Terror Twilight de Pavement, o Eureka de Jim O'Rourke, And Then Nothing Turned Itself... favorece la composición de canciones suaves, arreglos delicados, e influencias eclécticas, como drum machines al estilo Silver Apples, y coros en clave doo wop que adornan muchas de las canciones. El invernal e implosivo "Everyday" utiliza estos elementos, junto a guitarras y vocales hipnóticas, para comenzar el álbum en una nota sorprendentemente sombría. Del mismo modo, los ritmos desfasados, estallidos impares de piano y armonías de "Saturday", añaden a la canción una belleza incómoda. Por último, nueve canciones del álbum, Yo La Tengo desata whammys y feedbacks en "Cherry Chapstick", su canción más incandescente desde "Sugarcube". Fácilmente uno de los álbumes más logrados del 2000, "And Then Nothing Turned Itself Inside-Out" no es tan inmediato como algunos de los trabajos anteriores del grupo, pero es igual de duradero, lo que demuestra que Yo La Tengo es la banda perfecta para envejecer. --Heather Phares

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Kings Of Convenience – Playing Live In A Room


If Nick Drake invented whatever we're going to call this kind of music, and Belle and Sebastian revived it, I credit the Clientele and the Norwegian duo Kings of Convenience for lending it enough critical mass to constitute a genre. continue→
Although this five-song live EP has its own title, it could also easily have been packaged as the single for the first track from Kings of Convenience, "Toxic Girl", which is also the first song here. KoC's album arrangements are hardly cluttered, so I actually have to do an A/B comparison to remember how the album version of "Toxic Girl" differed from this. Oh right, the rhythm section. I quite liked the crisp drums on the album version, now that I'm reminded of their existence, but I don't miss them here, nor do the other four acoustic songs here seem in any way incomplete. "Singing Softly to Me" is restless and jazzy, and more instruments might easily wreck it. "Into the Ring of Fire" ought to win some sort of award for misleading titling, as if it portrays the emotional state of somebody being plunged into a ring of anything, it's probably pillows or a very lightly scented moisturizing lotion. The skeletal, piano-led "Parr-á-Pluie", sung in a hushed French, isn't even that menacing. Only the final track, "Until You Understand", where the guitar speeds up a little and Eirik and Erlend revert to their Simon and Garfunkel harmonies, hints at the larger possibilities of a band arrangement. Often, small rooms are big enough.


Si Nick Drake inventó lo que llamaremos este tipo de música, y Belle and Sebastian, lo revivió, doy el crédito a Clientele y al dúo noruego Kings of Convenience de dar suficiente a la masa crítica para constituir un género. Aunque estas cinco canciones en vivo del EP tienen su propio título, también podría fácilmente haber sido empaquetado como single de la primera canción de Kings of Convenience, "Toxic Girl", que es también la primera canción aquí. Los arreglos aquí son casi desordenados, por lo que en realidad tienes que hacer una comparación para recordar la versión del álbum. Ah cierto.. la sección rítmica. Ahora que recuerdo, me gustaron bastante las percusiones claras en la versión del álbum, pero no los echo de menos aquí, ni tampoco las otras cuatro canciones acústicas parecen de alguna manera incompletas. "Singing Softly to Me" es inquieta y jazzy, y una mayor instrumentación podría fácilmente destruirlo. "Into the Ring of Fire" debería de ganar algún tipo de premio al mejor título engañoso, como si se retrata del estado emocional de alguien que se hundió en un anillo de la nada, aunque es probable que sea a una almohada o una crema hidratante muy ligeramente perfumada. La esqueletal, "Parr-á-Pluie", cantada en un silencioso francés, ni siquiera es amenazante. Sólo la última canción, "Until You Understand", donde sube un poco la velocidad de la guitarra, y Eirik & Erlend vuelven a sus armonías más Simon & Garfunkel, dando indicios a posibilidades de mayores arreglos de la banda. A menudo, las habitaciones pequeñas son lo suficientemente grandes. --Furia.com

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Richard Ashcroft - A Song For The Lovers


"A Song For the Lovers" fué el primer single de Richard Ashcroft desde que se separó una de las más grandes bandas de los años 90.

Continuando la línea de Urban Hymns, pero sin las brillantes guitarras de Nick McCabes, sustituído por una enorme orquesta de cuerdas y una afable producción.

La canción toma tú atención desde el momento en que se inicia con una intro orquestal que luego parece pasar sin sobresaltos y sin demandar tú cuidado. Es una canción bastante agradable, pero simplemente no tiene ese plus o algo que realmente lo convierta en un gran single de regreso.

"A Country Thing, City Thing, Blues Thing" nos da una idea de como podría haber sonado una canción del debut de "The Verve", con cuerdas y una sobrecargada producción.

"Precious Stone" tiene un poco de su foco en ello, y algo necesario del "Alone with everybody". Un toque de mordacidad y crudeza a la vez.

Así que todos son bastante decentes, pero uno no puede dejar de sentirse un poco decepcionado después de las expectativas que el final álbum The Verve nos dejara.
Read the original Review Here
A Song For the Lovers was Richard Ashcrofts first single since splitting up one of the greatest 90s bands so "A Song for The Lovers" was highly anticipated.

It continues where Urban Hymns left us but Nick McCabes brilliant guitar work is replaced by a huge string orchestra and smooth production.

The song grabs your attention the moment it starts with a huge orchestral introduction but after that it just seems to pass by without really jumping up and demanding your attention. It's a pleasent enough song but it just doesn't have that extra edge or bite to really make it a great comeback single.

The first B-Side Country Thing City Thing Blues Thing gives us an insight into what a song off The Verves debut album A Storm in Heaven would have sounded like with strings and production overload.

Precious Stone has a bit of an edge to it, It was something the album "Alone With Everybody" needed. A bit of rawness to it and a bit of bite.

So all in all ASFTL is a decent enough single but you can't help but feel a little dissapointed with it after the expectations The Verves final album left us with.

writen by Gav
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Mew - Half the World Is Watching Me


Un recuerdo con esta super banda, Mew es una banda de alt. rock / indie rock, considerado pop,..por otros, nacida en Copenhague, Dinamarca. Caracterizados por un sonido especialmente surrealista y canciones de tono abstracto, también ha sido considerada dentro de los subgéneros avant-rock, new prog, art rock y dream pop.

La agrupación ha recibido en el último tiempo numerosos reconocimientos en su natal Dinamarca y recientemente en Londres, donde residen desde que iniciaron su contrato con Sony Music para lanzar su tercer álbum, Frengers (2003). Actualmente cuentan con cuatro materiales discográficos que ilustran su peculiar evolución a desde sus comienzos en 1996, a pesar de que ellos se consideran una banda desde antes de que cualquiera de ellos supiera tocar algún instrumento. Sus presentaciones están llenas de sonido, color y la altísima voz de su vocalista Jonas Bjerre.

Insatisfechos con el desempeño de Aqua Records, el grupo decidió tomar cartas en el asunto formando su propio sello discográfico para lanzar su nuevo material, el cuál alcanzó tiraje internacional, siendo vendido en otros países nórdicos además de Dinamarca. Siendo ya una banda musicalmente más madura, Half The World Is Watching Me fue lanzado en el año 2000. Las canciones en éste álbum muestran un mayor grado de complejidad, experimentando con sonidos disonantes y escalofriantes metáforas de desamor, muerte y alegría. Pirate-Indie
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Paz Lenchantín: Yellow mY skYcaptain

Bajista, guitarrista, violinista, vocalista, cellista, pianista, son solo algunas de las cualidades no visibles (baba) de esta argentina de ascendencia franco-armenia, que en su debut solista (2000), mezcla (ella misma) con pinceladas electrónicas, para entregar un puñado de hermosas canciones en clave swan-noise, muy recomendables.
Un dato curioso, y que demuestra su amor por la música, es que la misma Lenchantín hizo retirar el àlbum de las tiendas luego de un tiempo en venta. Actualmente el mismo se consigue en la web oficial de Paz , son hechos artesanalmente, en su propia casa y autografiados.
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Boards Of Canada - In A Beautiful Place Out In The Country (EP)


Michael Sandison y Marcus Eoin son dos de lo más reclusivo en la lista de Warp Records. Aunque admito que no hay realmente ningún tipo de super lanzamientos (a excepción quizá de Squarepusher y Aphex Twin en sus buenos tiempos) en absoluto, y la única vez que escuchas hablar a todos de Boards of Canada es cuando lanzan algo . Por alguna razón, me imagino que el dúo se encierra constantemente en alguna colina pintoresca en alguna parte del Reino Unido, solo dejado para correr a buscar comida y para el envío de master tapes en la oficina.

Que sin duda sería una manera de describir por qué el grupo parece haber caído en un nicho propio dentro del IDM (por favor no me abofeteen por el uso de esta palabra) género. Mientras Autechre parece seguir experimentando con más y más sonidos fracturados y otros grupos se mantienen ajustando su estilo de encontrar la mezcla perfecta, Boards Of Canada parece seguir haciendo sus cosas, y hacerlo bien. Su 'Hi Scores EP' fueron seis pistas de bondad y su debut larga duración 'Music Has The Right To Children' es una versión sólida y madura a pesar de que todavía capturaba al grupo en una etapa joven.

Básicamente, si te gusta alguna de las versiones anteriores, no te vendrà nada mal con In A Beautiful Place Out In The Country. Sigue el trabajo de sonidos de tranquilidad y belleza, junto a líneas de bajo espesas y agradables beats de latidos. En cierto modo, las 4 canciones del EP son en realidad el trabajo màs reducido del grupo, pero también es muy esencial. "Kid For Today" suena como varias pistas que el grupo ha hecho, pero de alguna manera también nueva y refrescante, con un golpe bajo un loping descentrado sobre una capa de tonos de zumbidos y una bonita melodía. "Amo Bishop Roden" toma màs zumbidos que simplemente continúan durante el largo de la canción (al mismo que cambia un poco el tono) y poco a poco se desvanece en más elementos hasta que las cosas se mueven con un denso gorgoteo para el beat.

Simplemente no sería un lanzamiento de Boards Of Canada sin algo loco, vocodored vocals (onda krautrock), y justamente eso hacen en la pista que da nombre al disco, una vez más aparecen los sonidos de niños riendo e indescifrables letras contra un discreto beat. En conjunto, las 4 pistas y casi 25 minutos de música tienden a ir un poco más al lado tranquilo del grupo, pero por sólo 6 o 7 dólares, es una compra totalmente excelente y una gran manera de escuchar al grupo si aún no lo has hecho.
Read the Original Here
Michael Sandison and Marcus Eoin are two of the most reclusive chaps on the Warp Records roster. While I'll admit that there aren't any really any super outgoing types (except for maybe Squarepusher and Aphex Twin on their good days) at all, the only time I really hear about Boards of Canada at all is when they actually release something. For some reason, I picture the duo constantly holed up on some picturesque little hillside in the UK somewhere, only leaving for the occassional grocery run and for the delivery of master tapes to the home office.

That would certainly be one way to describe why the group has seemingly fallen into a niche of their own within the IDM (please don't slap me for using that term) genre. While Autechre seems to keep experimenting with more and more fractured sounds and other groups keep tweaking their style to find just the right mix, BOC seem to just keep doing their thing, and doing it well. Their Hi Scores EP was six tracks of goodness and their debut full-length Music Has The Right To Children was a solid and mature release even though it was still capturing the group at a young stage.

Basically, if you liked either of the above releases, you're not going to go wrong with In A Beautiful Place Out In The Country. It continues the groups working of quiet and beautiful sounds alongside thick basslines and nice little clunking beats. In some ways, the 4 song EP is actually some of the most stripped-down work by the group, but it's also quite essential. "Kid For Today" sounds like several tracks that the group has done, yet somehow new and refreshing with an off-kilter loping beat under a layer of droning tones and a pretty melody. "Amo Bishop Roden" takes another drone that simply continues for the duration of the track (while changing pitch a bit) and slowly but surely fades in more elements until things are moving along with a thick gurgle for a beat.

It just wouldn't be a BOC release without some weird, vocodored vocals, and they do just that on the title track, again setting the sounds of kids laughing and undecipherable lyrics against an unobtrusive beat. As a whole, the 4 tracks and almost 25 minutes worth of music on the release tend to be a bit more on the quiet side for the group, but for only about 6 or 7 dollars, it's a totally excellent purchase and a great way to hear the group if you haven't before.

o en Almostcool
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Rodriguez - Swing Like A Metronome


"Swing Like a Metronome" fue lanzado con poca publicidad y sin fanfarria, por lo que sigue siendo una colección en gran parte desconocida. Pero para los fans de bandas como Uncle Tupelo o Grandaddy, este será un descubrimiento brillante. Rodríguez es un trío liderado por los songwriters Kyle Field (su proyecto en solitario se llama Little Wings) y Matt Ward (graba en solitario como M. Ward). Aunque los estilos de ambos son un poco diferentes (sobre todo sus letras), los dos se complementan muy bien. Al igual que Lennon / McCartney o Farrar/Tweedy, los contrastes no hacen más que hacer el esfuerzo de la banda más interesante. Este disco fue grabado en parte por Jason Lytle de Grandaddy, y en parte por Adam Selzer (de Norfolk and Western), pero las canciones son una unidad cohesiva. Para tener una idea del gusto de Rodríguez, consideren su elección de covers: "Loretta" de Townes Van Zandt y "Tom Violence" de Sonic Youth. Estas dos canciones proporcionan una introducción agradable en el mundo Rodríguez.
Read the Original Here
"Swing Like a Metronome" was issued without much fanfare or publicity, and as a result remains a largely unknown album. But for fans of bands like Uncle Tupelo or Grandaddy, this is a brilliant discovery. Led by the twin songwriters Kyle Field (his solo project is called Little Wings) and Matt Ward (he records solo as M. Ward), Rodriguez is a band that relies on the strength of its songwriting. While the two songwriters' styles are slightly different (especially lyrically), they complement each other very well. Like Lennon/McCartney or Farrar/Tweedy, the two writers' styles contrast each other, but make the group's efforts that much more interesting. This record was partly recorded by Jason Lytle (Grandaddy leader) and partly by Adam Selzer (of Norfolk and Western) but the songs stand together as a cohesive unit. If Rodriguez's choice of covers appeals to you (Townes Van Zandt's "Loretta" and Sonic Youth's "Tom Violence"), by all means check this recording out--those songs provide a nice intro to the world of Rodriguez. If you've already discovered "Swing Like a Metronome", look into the respective solo projects--they're worth seeking out. By debut record standards, this could be 5 stars but compared to rock history it has to be a strong 4.

writen by A Customer
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Gregg Bendian's Interzone: Myriad


El Percusionista y compositor Gregg Bendian es un personaje poco común: un músico con serias credenciales de free jazz que también profesa una gran afición por el rock progresivo de los 70'. Independientemente de la categoría musical, Gregg Bendian's Interzone es un conjunto fenomenal y la segunda edición de la banda es su declaración más fuerte hasta ahora. Bendian controla el vibráfono y la lira, con Alex Cline y Liebig Steuart hábilmente navegando en batería y el bajo. Nels Cline, el hermano de Alex y uno de los mejores improvisadores de guitarra eléctrica de hoy, completa el cuarteto.
Categóricamente hablando, Myriad merece la atención como uno de los principales lanzamientos de fusión posterior al 2000 o, para el caso, cualquier año. Nítido y claro como el hielo crujiente y al mismo tiempo fundido caliente, es una maravilla escuchar.
Read the Original Here
Percussionist/composer Gregg Bendian is an unusual character: a musician with serious free jazz credentials who also professes a fondness for 1970's-style progressive rock. Regardless of musical category, Gregg Bendian's Interzone is a phenomenal ensemble and the band's second release, Myriad on the Atavistic label, is its strongest statement so far. The CD's closest stylistic antecedent might be the initial incarnation of Pierre Moerlen's Gong, which during the late '70s featured Alan Holdsworth's electric guitar pyrotechnics propelled along by a crisp and driving rhythm section that included vibraphone, glockenspiel, and other tuned percussion in addition to bass and drums. Bendian handles the vibes and glock on Interzone's Myriad, with Alex Cline and Steuart Liebig ably navigating the leader's charts on drums and bass. Nels Cline, Alex's brother and one of today's finest electric guitar improvisors, rounds out the quartet. While the Pierre Moerlen ensemble of nearly a quarter-century ago ultimately fell prey to many of the same stylistic missteps that afflicted other '70s fusionists, Gregg Bendian's Interzone makes no compromises for the sake of commercial appeal in a jazz market now largely split between soft and retro.

Bendian is a very nimble and accomplished soloist and accompanist on the vibes and glock. As a composer and bandleader, he confidently steers the band away from the jazz-pop or new age comfort zone, even during atmospheric pieces like the opening "Interzonia 1" in which the bright timbres of the tuned percussion are prominent. ("Interzonia 1" is dedicated to filmmaker David Cronenberg, which should say something about the darker sensibilities at work.) The vibes' crystalline clarity (sans resonator-produced vibrato) is even pushed in the direction of distorted noise rather than soft shimmer. Elsewhere, as on the track "Intrepid," Interzone executes a fervent swing that is perhaps the quartet's biggest stylistic tip-of-the-hat to the jazz tradition. Categorically speaking, Myriad deserves attention as one of the top post-fusion releases of 2000 or, for that matter, any year. Crisp and clear as crackling ice and simultaneously molten hot, it is a wonder to hear.

writen by David Lynch, Rovi
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